Mujeres vestidas

Con esta bajada de la temperatura y la lluvia de hoy en Madrid parece que el verano está cerrando su ciclo y el otoño está ya ahí, pidiendo limosna en la puerta; siempre repetimos el mismo soniquete de que las estaciones se nos presentan con una mayor ración para la vista de la superficie del cuerpo de la mujer o con el aumento del esfuerzo de la imaginación para adivinar el tesoro que ocultan, respectivamente año tras año. Ya sé que esto es poco original, como el título de la entrada en el que hago alusión por oposición a la novela de los hombres desnudos, premio planeta del año pasado y de la que les hablé hace algún tiempo, pero lo he elegido para poder mezclar varias ideas que me rondan estos días por la cabeza: el desnudo femenino, la verdad, la mentira, el psicoanálisis, la pintura, las exposiciones temporales que nos esperan este otoño y la moda en el arte. El otoño abrocha los escotes y la insinuación es la mayor de las mentiras desde los tiempos del paraíso terrenal, como nos explica el Bosco en la mayoría de sus cuadros, si en el Edén no había mentira y tampoco había pudor, podemos preguntarnos: ¿cómo se relacionan entonces ambos conceptos?

La primera imagen que les traigo es el taller del pintor de Gustave Courbet que es el más genuino representante del realismo francés, el cuadro en si es considerado un manifiesto de este estilo. Toda la obra está plagada de personajes conocidos de la época; en el centro, un caballete con un gran paisaje de su tierra natal; la mujer que está de pie junto a Courbet representa la Verdad desnuda que guía el pincel del artista, deseoso de pintar cuadros que reflejen fielmente la vida.

Efectivamente hay que remontarse mucho más atrás, en la pintura, para encontrar los orígenes de la alegoría de la representación de la Verdad como una mujer desnuda, y no es menos cierto que tal representación del desnudo femenino producía rechazo si no estaba contextualizado en una escena mitológica o relativa al pecado,  de ahí la valentía de algunos artistas como Edouard Manet que presentó en su desayuno sobre la hierba un desnudo femenino entre dos hombres vestidos a la moda de la época celebrando un picnic, siendo rechazada por escandalosa en el Salón de 1863.

Pero se puede llegar más lejos, aunque pisando un terreno resbaladizo, para adentrarnos en los conceptos de la verdad y la mentira relacionados con la sexualidad, con el pudor y con el desnudo en la mujer principalmente; el famoso neurólogo austriaco Sigmund Freud,  padre del psicoanálisis, en la aplicación de su método catártico, que tanto impresionó a Dalí, establece una relación entre algunos gestos femeninos de pudor, de falso pudor ante la desnudez en los actos íntimos, con una inseguridad emocional que achacaba en algunos casos clínicos estudiados a conflictos con la verdad y la mentira. Decía en una de sus famosas frases tantas veces repetidas que: Ser totalmente honesto con uno mismo es un buen ejercicio.

Y todos esto para hablarles de las dos exposiciones temporales que van a competir este otoño en Madrid y Barcelona respectivamente, en torno al pintor de las mujeres. Una, Renoir y la intimidad, abrirá sus puertas en Madrid, en el Museo Thyssen, el 18 de octubre, con 78 obras. La otra, Pierre Auguste Renoir, tendrá lugar en Barcelona, desde el 16 de septiembre, en la Fundación Mapfre, y se anuncia como un repaso a sus grandes temas en 60 pinturas procedentes del Museo d’Orsay y l’Orangerie. El director de arte de Mapfre promete que, además de las obras mencionadas, puede haber algunas grandes sorpresas de última hora. Se habla de Le Moulin de la Galette, obra maestra del impresionismo y pieza esencial del Museo D’Orsay, de cuyo emplazamiento se ha movido en escasísimas ocasiones.

La suma de obras, esfuerzos y dinero, que podría haber dado como resultado una exposición de importancia histórica, no ha existido: no parece que la colaboración prime a la hora de programar exposiciones entre ambas instituciones. No es la primera vez que se pisan la manguera en el Paseo del Arte de Madrid, que algunos han bautizado eufemísticamente como el salvaje oeste aludiendo a la aparente descoordinación de Museos e Instituciones; Dalí, los impresionistas, Kandinsky, Caravaggio, son algunas de las coincidencias de los últimos años.

Y para finalizar con el tema de hoy les voy a recomendar la lectura de un ensayo muy interesante:  La moda femenina en los retratos del Museo Thyssen-Bornemisza. Ahora comprenderán mejor el título de la entrada: mujeres vestidas. El opúsculo editado por Letras de Autor, es obra de Amalia Maureta Checa y Carmen del Ojo Carrera, dos amigas mías, colaboradoras del Museo Thyssen desde hace mucho tiempo, que han volcado sus esfuerzos en presentarnos este trabajo en el que analizan sobre una serie de retratos de la colección del Museo el proceso a través del cual las telas para cubrir el cuerpo pasaron a ser la ilusión de vestirse de mujeres de todas las épocas. Se trata de una obra muy interesante, de apenas 150 páginas de amena lectura que constituyen un itinerario por 16 retratos de mujeres que nos comentan con minuciosidad. Podíamos decir que el conjunto constituye una trinidad: el interés de las obras elegidas, la profundidad y rigurosidad del trabajo y la magnífica exposición en un lenguaje concreto, conciso y correcto, ¡vamos!, como los escritos militares.

 

La vida es un mercadillo

Nada más entrar en la sala de la exposición del Bosco, que ha organizado el Museo del Prado de Madrid con ocasión del 5º centenario del fallecimiento del pintor, nos encontramos de frente con una de sus obras más significativas, aunque no sea la más conocida, se trata de un óleo sobre tabla de tamaño medio: Mercado de telas en ‘s-Hertogenbosch, y lo es porque en ella rinde homenaje a su ciudad natal, una de las más importantes en el ducado de Bravante, allí nace, allí vive y sobre todo allí pinta y firma sus cuadros como H.Bosch para resaltar la importancia que le da a su cuna, e, incluso, en esta escena del mercado está representada la casa  de su padre en la parte derecha del cuadro, según está documentado. Pinta una escena religiosa en la parte delantera, San Francisco, patrono de los pañeros, repartiendo telas entre los pobres, dejando constancia de la importancia del tema religioso y de su presencia omnímoda en aquellos tiempos convulsos de reforma y contrarreforma. La escena central del mercado de telas que ocupa la mayor parte del cuadro es muy peculiar por la forma que le da al mismo, completamente cubierto y abierto por los costados, que no se sabe bien si era lo habitual o solamente una licencia para representar la actividad interior al suprimir las supuestas paredes que quizás deberían cerrar el recinto.

Este verano tuve ocasión de conocer el famoso mercadillo de los lunes de Castellón de la Plana, que desde el pasado año 2008 se celebra en unas instalaciones construidas para este tipo de ferias y mercados por los arquitectos Fuster y Del Rey, se trata de un espacio diáfano y cubierto, a la manera de un gran hangar luminoso, que permite el fácil acceso y la fecunda relación interior exterior de manera cómoda y ajena a las inclemencias meteorológicas. La estructura tubular arbórea se define a partir de una base de hormigón poliédrica y cuerpo superior de una pirámide invertida y cubierta de bóvedas continuas, que crea una malla de parcelas de gran amplitud, lo que incide en esa sensación deseada de libertad, de espacio cubierto, pero no constreñido, dispuesto con calles de 4 metros en las dos direcciones.

La silueta exterior nos recuerda enseguida a Santiago Calatrava y sus obras levantinas, a mí me recordó al Mercado de telas en ‘s-Hertogenbosch, y me permitió con su sombra y su ventilación sobrellevar las horas de deambular de puesto en puesto. Ya les contaré en otra ocasión lo que compré al final del recorrido, porque los mercadillos en España están pensados para que compren las mujeres fundamentalmente, ellas van escalando puestos conforme pasan los años, ellas hacen las compras, ellas son las principales lectoras, ellas son las más apasionadas visitantes de los museos, ……. por favor, mire usted con detenimiento los cuadros del Bosco y saque sus propias conclusiones del papel que le asigna a las mujeres en los mismos.

Metidos en materia de mercados he buscado el origen próximo de lo que llamamos mercadillos, que pudiera ser el de los mercados de las pulgas, de los cuales parece que El Mercado de las Pulgas de Saint Ouen, en París es el mercado con mayor concentración de tiendas de antigüedades y de segunda mano, con cerca de once millones de visitantes cada año, y por tanto el mayor del mundo.

Su nombre es, por así decirlo, una generalidad, ya que se identifica como mercado de las pulgas a todo aquel en el que se vendan antigüedades, pero se cree que fue aquí, en el de Saint Ouen, donde se originó el apelativo, y para ello se cuentan dos versiones de la historia: La primera tiene que ver con la higiene de los vendedores y su mercancía, y la segunda con el agobio de un visitante, que al ver tanta gente reunida en un mismo sitio lo comparó con la concentración en comunidades propia de este pequeño insecto. Marché aux Puces, más que un simple mercado, es un complejo de alrededor de 3.000 puestos y tiendas que funcionan en la franja norte de la ciudad y que ya se ha vuelto legendario. Se encuentra ubicado más allá del barrio de  Montmartre. Un poco lejos del centro, pero vale la pena, mírenlo como una divertida excursión. En Marché aux Puces o Les Puces como es más conocido, se pueden encontrar piezas únicas, realmente valiosas.

El popular Mercado de Portobello Road, en Londres, en el exclusivo barrio de Notting Hill, tuvo sus inicios a principios del siglo XIX y en la actualidad es un evento semanal que tiene lugar todos los sábados de 8 a 18.30.

La Feira da Ladra o Mercado de la ladrona en Lisboa es un rastro a la mejor usanza europea. Tal como los famosos mercados de Londres o de París, éste mercadillo ofrece un amplio rango de interesantes artículos que van desde cámaras antiguas que datan de por lo menos hace medio siglo, a muebles usados, pasando por lámparas kitsch, a colecciones de discos de vinilo de música autóctona portuguesa, entre otras tantas cosas.

La ubicación del mercado Hell’s Kithen Flea Market es idílica entre rascacielos y es uno de los mercadillos con más entidad y solera de todo Nueva York.  Tiene más de 170 puestos en los que se podrá encontrar desde ropa vintage a ropa totalmente futurista, muebles, discos de vinilo, antigüedades y mucho más. Este mercado es el más frecuentado por personalidades y famosos de toda la ciudad siendo muy habitual el encontrarnos con alguna cuando lo recorremos.

El Rastro de Madrid es el mercado de pulgas más famoso de España y, posiblemente, uno de los mayores y más singulares de Europa. Un mercado al aire libre extendido entre algunas de las calles más auténticas del viejo Madrid, en pleno barrio de Lavapiés, un barrio castizo que, sin duda, constituye un marco incomparable que convierte al Rastro madrileño en un mercado realmente singular. Todas las mañanas de domingos y festivos millares de más o menos improvisados puestos se instalan en plena calle para vender, junto a las tiendas y locales del barrio, objetos de segunda mano de todo tipo. Cuadros, libros, cromos, muebles, ropa y un sinfín de antiguos y curioso objetos se pueden encontrar a ras del suelo o presentados al libre albedrío en cada puesto callejero.

La Ribera de Curtidores es una calle de Madrid conocida por ser la vía principal del Rastro, su topónimo proviene de las curtiembres, también llamadas curtiderías o tenerías, que se instalaron en todo su recorrido, aprovechando la cercanía de diferentes mataderos. La calle aparece citada en el año 1635 con el nombre de las Tenerías, establecimientos dedicados a la fabricación y comercialización del cuero, que estuvieron funcionando en la zona hasta comienzos del siglo XX. Además de este gremio, hubo otros muchos que optaron por asentarse en el entorno de la Ribera de Curtidores, tales como ropavejeros, fabricantes de zapatos y, desde el siglo XIX, anticuarios y almonedas, que se encuentran en el origen del mercado del Rastro.

Y con la disculpa de los mercados llegamos a la novela que hoy les recomiendo, se trata de la La ciudad del  LUCUS, de  Luis María Cazorla, en realidad la trama la forman unos comerciantes alicantinos que se establecen en la ciudad de Larache, en el norte de Marruecos, a principios del siglo XX, y la urdimbre es el marco político social en el que transcurre esta historia durante aquellos años tan difíciles, pues a principios del siglo XX las grandes potencias coloniales se disputaban en Marruecos el reparto militar y político de África. España, que se lamía aún las heridas de la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas, aspiraba a sacar tajada alcanzando un acuerdo con Francia sin desairar a Inglaterra y Alemania. En junio de 1910, el desembarco en Larache de las tropas españolas comandadas por el entonces teniente coronel Fernández Silvestre se traduciría más tarde, en 1912, en el inicio del Protectorado español en Marruecos. Un episodio de nuestra historia reciente poco divulgado, y que sin embargo ejerció una gran influencia en importantes hechos posteriores, como la Guerra Civil de 1936.

La ciudad del Lucus reposa sobre un fondo histórico bien documentado y revela datos poco conocidos a pesar de su crucial relevancia. Al tiempo, muestra con singular viveza narrativa el drama humano que supone abrirse camino en un mundo desconocido, a través de la inmigración que llevó a un puñado de españoles a la zona noroccidental de Marruecos, esperanzados en las posibilidades que se les abrían en aquellas tierras. La historia se desarrolla entre 1904 y 1912 en las ciudades de Larache (la ciudad del Lucus), Tánger, Tetuán, Arcila y Alcazarquivir. Al hilo de los avatares de un inmigrante que huye de la crisis económica que sufre Alicante a finales del siglo XIX y se establece como comerciante en Larache, desfilan por sus páginas marroquíes que se debaten entre la fidelidad a las costumbres tradicionales y el progreso material, hebreos siempre en un difícil equilibrio, y militares españoles y franceses, algunos de ellos personajes célebres, como el teniente coronel Fernández Silvestre o el líder Ahmed el-Raisuni. Todos ellos tejen una tupida trama de intereses y sentimientos, a veces complementarios otras contrapuestos, que conforman la tensión dramática de una novela memorable.

Caín cumple 80 años

El doctor Felix Schlayer fue un ingeniero y empresario alemán que vivió alrededor de cincuenta años en España y fue cónsul de Noruega en Madrid durante el primer año de la Guerra Civil española. Al encontrarse fuera de España el embajador de Noruega, el 18 de julio de 1936 se pone al frente de la legación de dicho país, cargo desde el cual salvó la vida de los más de mil refugiados acogidos en dicha embajada. En noviembre de 1936, descubrió y dio testimonio de la matanza, en Paracuellos de Jarama, de más de cuatro mil presos preventivos extraídos de las cárceles de Madrid. Habiendo regresado a España al finalizar la guerra, siguió viviendo en nuestro país, donde falleció en fecha desconocida, hallándose enterrado en el cementerio civil de Madrid. Prácticamente desconocido por el gran público hasta fechas recientes, fue también el primero que relató las persecuciones, los asesinatos políticos masivos y las torturas de las checas en el Madrid republicano de 1936 en su obra Diplomat im roten Madrid, publicada en Berlín en alemán en pleno nazismo en 1938, y no traducida al español hasta 2005 con el título Matanzas en el Madrid republicano. Paseos, checas, Paracuellos…, y publicada con nueva traducción en 2008 con el título de Diplomático en el Madrid rojo. Fue el primero igualmente que puso de relieve la implicación directa de Santiago Carrillo en la masacre, también su relato debería formar parte de esa “Memoria histórica”.

En realidad, el relato de la tragedia que les traigo hoy empieza el 22 de agosto del 36 y finaliza el 23, por eso el título del 80 aniversario de esta nueva manifestación del espíritu cainita que lleva el hombre en su interior. No creo que el asesinato se pueda en ningún caso justificar, ni tampoco que la revancha sea justa, sólo pretendo recordar, para sus descendientes, unos hechos que ahora les puedo relatar porque a una de las víctimas, un joven capitán de artillería de 33 años, le salvó milagrosamente la cruz roja francesa, y aunque vivió muchos años después con las cicatrices de las balas en su pecho, como tatuaje de la muerte, jamás profirió una palabra de queja, de odio o de rencor hacia sus asesinos.

………El 22 de agosto de 1936 una tropa de delincuentes comunes, vestidos de milicianos, irrumpió en la cárcel Modelo de Madrid, con el pretexto de efectuar un registro en busca de armas; despojaron a cada uno los presos de todos sus objetos de valor, relojes, anillos de casados, plumas estilográficas, así como de recibos que tuvieran por cantidades de dinero depositadas y se llevaron todo ello, metido en sacos. En las oficinas del establecimiento, se apropiaron asimismo inmediatamente de todas las cantidades de dinero existentes y quemaron los libros para evitar cualquier reclamación posible por parte de los despojados. Dado que estos sumaban más de cuatro mil, puede uno hacerse una idea del brillante éxito de la meritísima operación anticapitalista.

Después de efectuado el registro, sacaron a los presos, por la tarde a los patios del establecimiento penitenciario. No habían recibido todavía en ese día alimento alguno. De repente, surgió un incendio en la leñera de la cárcel, prendido intencionadamente por los milicianos con la finalidad perseguida de que, al amparo de la confusión surgida, pudieran escapar los presos comunes, cosa que, por supuesto hicieron. Al parecer, contaban asimismo con que también los presos políticos intentarían escapar, para lo que habían previsto que fuera hubiera estacionados grupos armados que inmediatamente dispararan sobre ellos. Querían exterminarlos en masa e inmediatamente. De repente, los presos, que se hallaban concentrados en los cinco patios del establecimiento y miraban con preocupación al fuego que avanzaba muy rápidamente en torno a ellos, fueron objeto de un tiroteo, procedente de los tejados y balcones de las casas circundantes y del tejado de la propia cárcel. No podían escapar de los patios hacia el interior del edificio porque las puertas sólo permitían el paso de una sola persona a la vez y por tanto el amontonamiento que se produciría entrañaba grave peligro de muerte. Los pobres hombres procuraban protegerse de los disparos, acercándose contra los muros situados en ángulo muerto. A pesar de todo, buen número de ellos murieron, unos sesenta de los políticos y militares más importantes fueron arrastrados afuera por los milicianos y muertos a tiros en los jardines próximos a la prisión. Estos habían sido entregados por el Gobierno a las milicias marxistas y anarquistas para que les dieran muerte y quedarán así satisfechas las continuas pretensiones de diezmar al conjunto de los detenidos.

Una verdadera ansia de matar había embriagado y dominado al populacho. Los funcionarios de prisiones no aparecían por ninguna parte. El director había desaparecido y, con ello, permitió que los acontecimientos siguieran su curso. Al cerrar la noche los animosos tiradores del tejado gritaron a sus indefensas víctimas de los patios de la prisión: ¡mañana por la mañana continuaremos hasta que no quede uno vivo! Puede uno imaginarse el estado de ánimo con que aquellos hombres medio muertos de hambre pasaron la noche tumbados, pegados a las paredes. Los sacerdotes que había entre ellos les daban la absolución y los preparaban para la muerte que les llegaría por la mañana. Uno tras otro se aventuraban, en el transcurso de la noche, a llegar hasta una fuente para beber; reinaba el calor ardiente típico de Madrid y hacía ya treinta y seis horas que no habían probado nada y, así esperaban que llegara la mañana y continuara al tiroteo……………

Si tienen tiempo, ganas y valor para leer este relato entero, es un libro de 150 páginas, les doy el enlace para que lo puedan encontrar: un diplomático en el Madrid rojo.

Si prefieren una lectura más acomodada para este verano les recomiendo la novela de Manuel Hurtado, La librería del callejón. El relato empieza en el año 1940 en Madrid, es una historia de la posguerra que enlaza con la anterior en el tiempo, pero cambiando la clave del horror por otra de intriga y misterio que nos mantiene enganchados hasta el final. Se trata de un pintor que, tras su exilio en París, decide volver a Madrid con el fin de recuperar su pasado y encontrar a su amante. En su vida hay un vacío de memoria a causa de un accidente que borró gran parte de sus recuerdos, algo que le empuja a regresar al lugar donde pasó los mejores años de su vida. En la ciudad subsisten restos ocultos de resistencia republicana y un numeroso grupo de agentes extranjeros que tratan de decantar la posición de España en la recién estallada Guerra Mundial. En esta encrucijada, el artista se ve envuelto en una trama que le lleva a colaborar con La Fundación, un movimiento clandestino auspiciado por la inteligencia británica y liderado por Ernesto Lara, en cuya vieja librería abandonada se veían durante la guerra. Es así como va dándose cuenta de quién fue realmente, al tiempo que va hallando pistas sobre el paradero de Amelia. Muchos años más tarde, el profesor Alejandro Piedra consigue comprar un óleo del desconocido pintor, Adrián Fadrique, en una subasta de Sotheby’s. Todo hace indicar que se trata de una obra sin mayor importancia, pero la noticia suscita el interés inusitado de extraños grupos que están dispuestos a cualquier cosa para arrebatársela. La librería del callejón es una novela sobre la fidelidad, el arte, el misterio y los vericuetos del destino. De cómo un pintor enamorado se convierte en espía y en el protegido de un nazi obsesionado con el arte y el ocultismo. Todo ello en un Madrid de postguerra plagado de intrigas y de personas que no son lo que parecen.

Deudas del cine con la pintura

En la jungla,  es un vídeo creado por un joven especialista en edición y montaje cinematográfico en el que muestra cómo Pedro Almodóvar, el director de cine español, rinde homenaje a grandes artistas del pincel: Desde Tiziano a Velázquez, pasando por Magritte o Edward Hopper. Algunas de las escenas más famosas de sus películas fueron pintadas antes que filmadas. El director manchego lleva años escenificando en la gran pantalla algunos de los cuadros más famosos de estos autores sin que nadie -hasta ahora- se haya dado cuenta. Hasta 33 guiños descubre Jorge Luengo, un joven madrileño de 23 años, y nos lo muestra en un video de casi cuatro minutos de duración como tributo velado que la cámara de Almodóvar lleva haciendo a más de una treintena de obras de arte que, de una u otra forma, le han influido en su filmografía. Mujeres al borde de un ataque de nervios, Átame, Kika, Todo sobre mi madre, Hable con ella, La mala educación, Volver, Los abrazos rotos o La piel que habito; todas estas películas (y algunas más) cuentan con escenas extraídas de algún famoso lienzo o fotografía.

El velo de Isis

Un amigo lector me porfía que siempre estoy a vueltas con las mujeres en las entradas de este blog, yo creo que es una exageración, pero como no quiero discutir pues no me apetece perder un lector -la amistad no se pierde- le voy a hacer caso y les traigo para ello un par de libros que me han parecido interesantes. El primero de ellos se publicó hace 10 años por un periodista francés, Éric Zemmour, que trabaja en Le Figaro, y causó un gran revuelo en su momento. El título era: Le Premier Sexe, en clara referencia al libro de Simone de Beauvoir, Le Deuxième Sexe, escrito en 1949 que es el catecismo del feminismo igualitario y el punto de inflexión en el que las corrientes más activas del movimiento abrazaron la izquierda como faro del progreso, como sabrán sin duda todas esas lectoras a las que mi amigo dice que hago el caldo gordo.

En España se publica en el 2007 por la editorial ALTERA, y tanto por su largo título: Perdón soy hombre y no lo puedo evitar, como por su portada, más bien parecía uno de esos opúsculos que en tono gracioso trivializaban con algunas anécdotas las pretendidas rencillas de pareja a lo largo del centenar de páginas que tiene. Nada más lejos de la realidad.

¿A qué se parece el hombre ideal?, se pregunta Éric Zemmour en este libro que, resumido a grandes rasgos, es una reflexión sobre la feminización de la sociedad occidental. El hombre ideal se depila, compra productos de belleza, lleva joyas, sueña con el amor eterno, cree a pie juntillas en los valores femeninos, prefiere el compromiso a la autoridad y, más que de la lucha, es partidario del diálogo y la tolerancia. El hombre ideal es una verdadera mujer. Hombres que acuden a las clínicas de belleza y asisten a los partos, mujeres que piden el divorcio y tienen aventuras, gays presentados como modelos de dulzura y amabilidad. La sociedad ha cambiado. Los sexos están revueltos no sólo en la cama, sino en la moda y en la empresa. ¿Ha triunfado el feminismo? Ése es, según nos explica Zemmour, el resultado de un proceso contradictorio de aceptación a medias y rechazo también a medias del feminismo por la mayoría de las mujeres. Habiendo descartado, tras varios decenios de tanteo, la poco seductora perspectiva de comportarse como hombres, la mayoría de las mujeres han sacado de esa paradoja una conclusión radical, pero, sin embargo, lógica: ya que ellas no han logrado transformarse en hombres, es preciso transformar a los hombres en mujeres.

El libro está lleno de contradicciones, pero tiene un enorme mérito: el de plantear buenas preguntas. ¿Las diferencias de comportamiento entre hombres y mujeres son debidas a las hormonas y a los genes, o son solamente un producto de la cultura? ¿Es o no es la testosterona, hormona del deseo, de la sexualidad y de la agresividad, la que desarrolla en el hombre la fuerza muscular, la velocidad de reacción, el instinto de dominación, la resistencia y la tenacidad, la visión desde lejos, la orientación en el espacio, el gusto para la aventura y la atracción para la mujer que engendra y debe ser protegida? ¿Son o no son los estrógenos que desarrollan en la mujer la destreza, la memoria verbal, la visión desde cerca, el oído y el olfato, la atracción para el hombre poderoso, fuerte, experimentado, socialmente reconocido? He aquí temas complejos con indudables imbricaciones político­sociales.

Sobra decir que no comparto todos sus criterios, pero creo que hay que entresacar aquellas cosas que puedan clarificar el camino del cambio radical que está transformando nuestra sociedad actual. El 68 ha matado al macho, la tesis del escritor galo es sencilla: El llamado “segundo sexo” ha venido a ser el primero e incluso el único. El feminismo ha descalificado al “macho” es un nuevo avance de los valores femeninos. La sociedad europea y occidental se afemina a paso acelerado. El homosexual o el “gay” viene a ser el nuevo modelo cuyas imágenes positivas, proyectadas sin tregua en los medios de comunicación, acaban moldeando los espíritus. El hombre moderno se depila, se perfuma, se adorna con afectación, lleva joyas y perendengues y todo esto es muy bueno para el consumo. Hombres o mujeres, todos iguales, somos así excelentes consumidores, celosos partícipes del mercado capitalista. El “macho” tradicional, no el mítico y virtual facha, grosero, agresivo, violento, dominador y violador, sino el hombre que respeta a su madre, protege a su mujer y se siente responsable de sus hijos, está en vías de desaparición. Está muriendo el hombre tradicional dinámico, combativo, aficionado al riesgo, a la acción y a la aventura. En adelante, el hombre moderno deberá cooperar, comunicar y conservar en vez de competir, obrar y transgredir. Elegirá la efímera pareja antes que la familia duradera, el indispensable hogar de los niños. Una lectura superficial del libro de Zemmour conlleva el riesgo de interpretarlo todo mal.

 

 

El segundo comentario es para la novela: Hombres desnudos, premio Planeta 2015, de Alicia Giménez Bartlett que nos ofrece una historia que no deja indiferente al lector. Nadie puede imaginar hasta qué punto los tiempos convulsos son capaces de convertirnos en quiénes ni siquiera imaginamos qué podríamos llegar a ser. Hombres desnudos es una novela sobre el presente que estamos viviendo, donde hombres treintañeros pierden su trabajo y pueden acabar haciendo estriptis en un club, y donde cada vez más mujeres priman su carrera profesional sobre cualquier compromiso sentimental o familiar. En esta historia, esos hombres y esas mujeres entran en contacto y en colisión, y lo harán con unas consecuencias imprevisibles. Con un lenguaje literario muy moderno, en el que el dialogo de los actores alterna con sus pensamientos constantemente, la escritora mezcla con descaro el sexo, la amistad, la inocencia y la maldad en una combinación tan armónica como desasosegante, en el marco de una ciudad como Madrid, haciendo una radiografía de un sector de la sociedad en que la gente guapa y la canalla alternan con naturalidad.

Una vez cerrado el controvertido libro de Zemmour y después de terminar la última página de los Hombres desnudos -el que la quiera leer-, no se puede evitar seguir interrogándose sobre la profunda crisis demográfica de Europa, la afeminación y pérdida de energía de sus pueblos, su sustitución por minorías étnicas inmigradas, indudablemente más viriles, y de soñar en el hipotético despertar de nuevos modelos masculinos. Pero lo más trágico de la historia es que la mujer moderna acaba casi siempre siendo su propia víctima. Se afana en domesticar y afeminar a su pareja conforme a los nuevos cánones de la sociedad actual. Pero cuando lo consigue y se despierta, rechaza, desprecia, pisotea a su hombre tachándolo de pelele o maricón sin el menor problema. Por fin sola puede soñar de nuevo en encontrar un hombre de verdad.

Cuando te acercas demasiado a Isis y miras debajo del velo te encuentras con el espejo que te devuelve tu imagen…

Colombine, agridulce de melón

Retornando a la cocina con  nombre de mujer, me encuentro con los cantos de Leopardi que no son agridulces, no. Son pesimistas, denotan il male di vivire; pero su belleza no permite que nos asalte la angustia al leerlos. Así quería que fuese el agridulce de melón, como un tristísimo canto de Leopardi, como un poema de Montale, en definitiva, como una premonición. Porque, como Leopardi, sabes que algunas historias apenas empiezan.

 

El agridulce de melón más que nombre de mujer tiene circunstancia: ¿ma sei tu per lasciarmi un’altra volta?  Io n’ho gran tema. Que difícil resulta aceptarlo. Lo único que nos consuela es que ser abandonado requiere de un paso previo, y que menos que celebrarlo con este plato pensado para un viernes de principios de verano. Questo di sette è il piú gradito giorno, pien di speme e di gioia: diman tristezza e noia recheran l’ore. El elemento fundamental del agridulce de melón es el vinagre de miel, elemento que constituye por sí mismo una contradicción, como alguna de mis relaciones.

Estos son los ingredientes:

Tres tajadas de melón de Villaconejos, un melocotón de viña, dos endibias, un apio, media cebolla pequeña, un pepino, cien gramos de zanahorias, tres nueces, veinte gramos de raíz de jengibre fresca cortada muy menuda, vinagre de miel, aceite de oliva y sal.

Preparamos un lecho de apio cortado en juliana en el fondo del plato y disponemos sobre el los ingredientes; la fruta cortada en pequeños dados y las verduras en juliana. La zanahoria la habremos cocido en agua de Vichy antes de cortarla. Lo aliñamos con una vinagreta preparada con dos tercios de aceite y uno de vinagre de miel y un pellizco de sal, lo dejamos marinar en la nevera por lo menos seis horas.

La combinación de sabores pretende ser algo sorprendente, cada bocado contiene simultáneamente lo que buscas y su contrario. Fratelli, a un tempo stesso, Amore e Morte ingenero la sorte. Es pues un plato para la pequeña muerte, pero no en el sentido francés de la expresión (o tal vez también, la petite mort) sino para la pequeña muerte que representa una pérdida. E il naufragar m’è dolce in questo mare.

 

¿Pero, vas a dejarme una vez más?

Lo temo mucho.

Este es de siete, el día más querido lleno de gozo y de esperanza lleno: mañana tedio y pena traerán las horas.

Amor y Muerte a un mismo tiempo hermanos, los engendró la suerte.

Y dulcemente en este mar naufrago

 

 

El Batallón Sagrado

Hace un año aproximadamente escribía un post Rogier y Pablo en el que les comentaba algunos datos curiosos de sendas exposiciones temporales que a la sazón se podían contemplar en el Museo del Prado de Madrid y les hacía la salvedad, además, de que era pura coincidencia el título de la entrada con la fecha de la conmemoración de los sucesos de Stonewall en el año de 1969, recordarán, porque estos días se ha hablado mucho de eso, que aquellos disturbios consistieron en una serie de manifestaciones espontáneas y violentas en protesta contra una redada policial que tuvo lugar en la madrugada del 28 de junio de 1969, en el pub conocido como Stonewall Inn, ubicado en el barrio neoyorquino de Greenwich Village, por desgracia, es de doble actualidad el ataque, esta vez con víctimas mortales, a un local de ambiente, por un cruel e irracional asesino. Frecuentemente se citan aquellos disturbios de 1969 como la primera ocasión, en la historia de Estados Unidos, en que la comunidad LGBT luchó contra un sistema que perseguía a los homosexuales con el beneplácito del gobierno, y son generalmente reconocidos como el catalizador del movimiento moderno pro-derechos LGBT en todo el mundo.

Pues bien, en esta ocasión les voy a comentar, sólo por encima, la exposición que, el anteriormente citado Museo, le dedica al pintor Hieronymus van Aeken Bosch, el Bosco, en conmemoración del V centenario de su muerte, una ocasión irrepetible para disfrutar del extraordinario grupo de las ocho pinturas de su mano que se conservan en España junto a excelentes obras procedentes de colecciones y museos de todo el mundo. Se trata del repertorio más completo de uno de los artistas más enigmáticos e influyentes del Renacimiento, que invita al público a adentrarse en su personal visión del mundo a través de un montaje expositivo espectacular que presenta exentos sus trípticos más relevantes para que se puedan contemplar tanto el anverso como el reverso.

El Bosco. La exposición del V centenario, se centra en las obras originales de este artista y se articula en siete secciones temáticas; también incluye otras realizadas en su taller o por sus seguidores a partir de originales perdidos. Otro grupo de obras, pinturas, miniaturas, grabados a buril, relieves y el manuscrito del Comentario de la pintura de Felipe de Guevara, permitirá entender mejor el ambiente en el que se gestaron las pinturas del Bosco, la personalidad de alguno de sus patronos como Engelbert II de Nassau, o la valoración que se hacía de la pintura en el siglo XVI.

Gracias al interés que mostró por el Bosco Felipe II, España conserva el mayor conjunto de originales suyos y todos ellos figuran en la exposición. La importancia de una exposición está en ella misma, en el provecho que público y especialistas pueden extraer de su contemplación. La reunión por primera vez en un mismo espacio de la mayoría de sus obras maestras contribuirá decisivamente a dilucidar algunos de los interrogantes que aún planean sobre su obra, y por eso, sin ánimo de repetir los comentarios de los críticos y estudiosos, les voy a recomendar, a los que tengan oportunidad de visitarla con detenimiento, que le dediquen un buen rato a los detalles de sus cuadros, cada uno de nosotros encontrará sin duda un parecido, una alusión, una semejanza, una certeza, una esperanza  o una premonición, los erastés y los erómenos también, sin necesidad de ir a otra sala para contemplar El rapto de Ganímedes, que  ha sido visto como una alegoría mitológica de la homosexualidad de cuya leyenda hablaremos otro día.

Pero volvamos al título, El Batallón Sagrado de Tebas, una unidad militar separada del resto y reservada únicamente a hombres y sus jóvenes amados, es normalmente considerado como el primer ejemplo de cómo en la Antigua Grecia se usaba el amor entre soldados en la tropa para estimular su espíritu combativo. Dentro del ejército tebano se encontraba un batallón formado por 150 parejas, con una peculiaridad, eras parejas estaban formadas por 2 hombres, enamorados y amantes entre sí, en total 300 hombres. Uno de ellos era el “heniochoi” o conductor y el otro el “paraibatai” o compañero, ambos unidos por un juramento que le unía a su amigo/compañero/amante hasta la muerte, tanto en la batalla como fuera de ella. Componían un ejército de gran movilidad y tremenda moral. Los pensadores socráticos pensaban desde hace muchos años que un ejército formado por tales uniones de amantes sería indestructible. Puede que no fuese así, pero todavía no se había dado el caso de que ninguno de ellos hubiera huido del combate, dejando a su compañero a merced del enemigo.

Este cuerpo de élite, liderado por Epaminondas, fue el primero en vencer a Esparta en campo abierto, siendo inferiores en número, algo que nunca antes había pasado. Los 300 combatientes de Tebas se vieron las caras contra unos 1.800 espartanos en la batalla de Tegira (375 a.C). Esto fue el preludio de las batallas de Leuctra (371 a.C.) y de Mantinea (362 a.C.) que humillaron el poderío de los espartanos, golpes de los que nunca se recuperaron, colocando al Batallón Sagrado de Tebas como la fuerza más temible de sus tiempos. Los tebanos atribuían a esta unidad militar tan especial el poder de Tebas durante la generación anterior a su caída ante Filipo II de Macedonia, que derrotó con una superioridad aplastante la resistencia de tebanos y espartanos en la batalla de Queronea, pero quedó tan impresionado ante su valor en combate que mandó construir un monumento que aún hoy se mantiene en pie en el lugar donde se enterró a los soldados.

En la Antigua Grecia no se concebía la orientación sexual como identificador social, cosa que sí se ha hecho en las sociedades occidentales en el último siglo. La sociedad griega no distinguía el deseo o comportamiento sexual por el sexo biológico de quienes participaran, sino por cuánto se adaptaba dicho deseo o comportamiento a las normas sociales. Estas normas se basaban en el género, la edad y el estatus social. Existe poco material original sobre cómo consideraban las mujeres la actividad sexual. Algunos eruditos, como K.J.Dover, afirman que existía una marcada polarización entre compañeros “activos” y “pasivos”, penetrador y penetrado, y esta polarización activo/pasivo estaría asociada con roles sociales dominantes y sumisos: el rol activo se asociaría con la masculinidad, con un estatus social alto y con la edad adulta, mientras que el papel pasivo se asociaría con la feminidad, con un estatus social bajo y con la juventud. Según esta visión, cualquier actividad sexual en la que un hombre penetrara a alguien socialmente inferior se consideraba normal; se consideraba socialmente inferior a mujeres, hombres jóvenes, extranjeros, prostitutas y esclavos. Igualmente, ser penetrado, especialmente por alguien socialmente inferior, podía ser considerado vergonzoso. Otros estudiosos, sin embargo, argumentan que las relaciones entre hombres normalmente incluían a un hombre adulto y a uno joven: el hombre mayor tomaría el rol activo. También las describen como cariñosas, amorosas y afectivas y argumentan que la tradición griega de las relaciones homosexuales era central en la historia griega y la guerra, la política, el arte, la literatura y la educación, resumiendo, en el milagro griego.

La forma más común de relaciones sexuales entre hombres en Grecia era la paiderastia. De este término, que significaba “amor de niño”, proviene la palabra pederastia. La pederastia, tal como se entendía en la antigua Grecia, era una relación entre un hombre mayor y un joven adolescente. En Atenas el hombre mayor era llamado erastés y se encargaba de educar, proteger, amar y dar ejemplo a su amado. El joven era llamado erómeno, y su retribución al amante era su belleza, juventud y compromiso. Existían elaborados protocolos sociales para proteger a los jóvenes del deshonor asociado a ser penetrado. Se esperaba que el erómeno respetara y honrara al erastés, pero no que lo deseara sexualmente. Aunque ser cortejado por un hombre mayor era prácticamente una prueba de hombría para los jóvenes, un joven con deseo sexual recíproco para con su erastés debía afrontar un estigma social considerable. Los antiguos griegos, en el contexto de las Ciudades-estado pederastas, fueron los primeros en describir, estudiar, sistematizar y establecer la pederastia como institución social y educacional. Era un elemento importante de la vida civil, militar, filosófica y artística.  Existe cierto debate entre los expertos sobre si la pederastia se daba en todas las clases sociales o si estaba mayoritariamente limitada a la aristocracia. La moralidad de la pederastia fue exhaustivamente analizada en la Antigua Grecia, siendo considerados algunos de sus aspectos como infames y otros como lo mejor que la vida podía ofrecer.

También aparece en la historia antigua La Legión sagrada del ejército cartaginés, que estaba formada por los hijos de las familias nobles de la rica ciudad africana; eran muy reducidos en número y apenas aportaban algo a las batallas, a pesar de su gran calidad para el combate. Sus miembros eran siervos devotos de Astarté entregados al templo por sus familias patricias para cumplir tareas militares en vez de sacrificarlos. Constituía también un cuerpo de élite, similar al Batallón Sagrado de Tebas, que habitualmente no combatía fuera del territorio africano, aunque no se tiene constancia de que las relaciones entre sus miembros fueran igualmente homosexuales.

Cuando se habla de la homosexualidad griega, normalmente oscilamos entre varios extremos: algunos niegan dicho fenómeno, considerando que el pecado dorio era algo restringido a ciertos círculos; otros lo subliman en un hermoso acto de admiración platónica sin sexo; otros, por el contrario, cantan las loas del paraíso del amor libre que fue Grecia…… Todos se equivocan…….

Cicatriz en la mirada

Si hay un producto que gana al sexo como el más vendido de la historia es el conjunto completo de sucedáneos, la infinita variedad de lenitivos de la verdad que compramos en todas sus formas. Lo saben los políticos, los sacerdotes, los curanderos, los dueños de los casinos y los publicistas. Los humanos queremos vivir en la mentira, refugiarnos entre sus cálidas paredes edificadas sobre arena, y somos capaces de matar para evitar que nos saquen de la protección que nos ofrecen. Pagamos por la esperanza de obtener libertad, vida eterna, remedio contra el cáncer, tres cerezas en la máquina tragaperras y abdominales perfectos —¡sin esfuerzo, con solo cinco minutos al día! —. Cuando caen las lluvias, se precipitan los torrentes y soplan los vientos que derrumban la mentira, entonces… nos buscamos otra. Reflexionar sobre tu pareja en la soledad de madrugada tras un día emocionalmente extenuante es parecido a echar pedazos de carne ensangrentada en un agua infestada de pirañas. Los pequeños gestos y los detalles minúsculos que desechas en el día a día se colocan bajo el microscopio y se engrandecen. Una mirada de fastidio se vuelve de desprecio, un comentario amable se interpreta manipulador, una buena intención se transforma en cálculo, el piropo se torna en adulación. Lo ordinario se vuelve obstáculo, como un cajón que sobresale y no hay manera de volver a colocarlo de nuevo. Lástima que el mal se haga todo junto y el bien se administre de a poco.

“Ninguna cosa es más importante que otra”, escribió Silvina Ocampo. Claro, nos engañamos al creer que hay cosas fundamentales y otras que no lo son tanto, que algunos momentos (y las palabras que los nombran) son desmesurados, que el nacimiento de un hijo es más trascendente que tomarse las manos a medianoche, que asistir a la muerte de un ser querido tiene más peso que atesorar el botón de una camisa descolorida. ¿Y si fuera al revés? Pero no, dice ella. Ninguna cosa es más importante que otra. Desear a alguien con la furia de todas las palomas aleteando al mismo tiempo no es más vital que amarrar las agujetas de las zapatillas y seguir caminando, como dice mi amigo el de los cordones que se ata cada día. Porque la vida no está quieta que es lo que nos recuerda Manuel Fernandez de la Cueva en su ensayo Sobre el silencio en la posmodernidad.

Pero el motivo de las alusiones a la verdad y a la mentira vienen a cuento por el comentario que les traigo hoy sobre una obra muy interesante de Michael Taylor, especialista en pintura holandesa del siglo XVII, que, en su ensayo La mentira de Vermeer (Vaso Roto, 2012) analiza la obra del pintor y el contexto en el que se desarrolló su vida; y también les hablaré de algunas otras mentiras en el arte.

Vermeer: La pintura del silencio y el ensueño, de la posibilidad y de la evasión es la visión que hace la profesora Anisa, sobre esta obra de Taylor en la que desvela algunos de los secretos de la pintura del artista neerlandés, de su reencuentro y de la forma que, a su juicio, tiene el artista para crear esa ilusión de verdad. Si el creador utiliza el arte para transformar la realidad según el dictado de su propia utopía, cualquier creación artística plantea dos preguntas: ¿Cuál es esa utopía? y ¿cuál era esa realidad inicial que el artista necesitaba trancender, reedificar? Si bien la primera cuestión es la que ocupa tradicionalmente mayor espacio en los análisis sobre el acto creativo, en el caso de artistas con una vida tan enigmática como la de Vermeer no es menos importante la segunda para entender cabalmente su trabajo. Vermeer, el pintor de la luz y del silencio, retrató una edad de oro que jamás conoció. Un país en guerra durante medio siglo contra Inglaterra y Francia; una ciudad, Delft, asolada por las plagas; un hogar familiar problemático y a menudo violento. ¿Cómo surge de ese tumulto la paz de las telas de Vermeer? Esa es la mentira (sin duda piadosa) que Michael Taylor desvela en este libro acercándose tanto al pintor como a su misteriosa contrafigura, el coleccionista Peter van Ruijven. Como tantos otros pintores holandeses, pertenecía a la clase de los artesanos trabajadores y parece ser que en la década de 1660 su obra gozó de cierto reconocimiento fuera de su ciudad. Trabajaba lentamente y los materiales que utilizaba eran bastante caros. Es probable que consiguiera más ingresos negociando con la pintura de otros artistas. A partir de la subasta de cuadros de maestros famosos que se celebra en un hospicio de Ámsterdam en 1696, Michael, reconstruye la vida y la trayectoria artística de Johannes Vermeer. En el catálogo de la subasta se incluían veintiún cuadros del pintor, que formaban parte del legado de Jacob Dissius, marido de una hija de los Van Ruijven, de la alta y rica burguesía de Delft, que fueron mecenas y amigos del pintor. Los cuadros subastados parecen representar la edad de oro de Holanda, pero la realidad era distinta. Buena parte del siglo XVII fue una época tumultuosa para las Provincias Unidas, que tuvieron que enfrentarse a guerras con Inglaterra y Francia. La ciudad de ensueño que aparece en la famosa Vista de Delft era también una ilusión. El 12 de octubre de 1654, seis años antes de que Vermeer pintara este cuadro se había producido en Delft una terrible explosión en una torre que el gobierno de las Provincias Unidas utilizaba como polvorín. El centro de la ciudad quedó arrasado, y murieron cientos de personas. Sin embargo, Vermeer refleja en su cuadro la imagen de un lugar en el que nada ha pasado, y en el que reina la calma y la quietud del tiempo detenido. Como señala Michael Taylor, en el encuadre elegido por el pintor se nos ofrece un retrato del silencio, un silencio orquestado y poblado por diminutas figuras que se comunican, si es que llegan a hacerlo, con miradas silenciosas.

En la actualidad se le atribuyen a Vermeer treinta y seis obras; en diecinueve de ellas se representa a mujeres jóvenes, sumidas en sus pensamientos. Vermeer no era el único pintor que se centraba en la mujer, pero sí es único al crear esas visiones de ensueño, en las que las figuras femeninas, cuyos rostros están iluminados por una luz que llega del exterior, nos recuerdan el aroma del culto católico a la Virgen María. Esas figuras no representan a modelos reales, sino a un modelo ideal de belleza. El mundo de Vermeer es, en una palabra, un mundo de mujeres, escribe Michael Taylor. Aquellas jóvenes, absortas en su mundo interior, parecen vivir en un espacio y un tiempo en el que nada puede suceder. Del exterior solo llega la luz, al principio intensa, más adelante tamizada por cortinas, tapices y postigos entreabiertos. Pero la paz y serenidad que transmite la pintura nada tienen que ver con la turbulenta y peligrosa época que atravesaban las Provincias Unidas.

Junto con la Vista de Delft, La callejuela –el paisaje urbano más inmóvil de la pintura holandesa, en palabras de Taylor– fue la obra con la que Vermeer fue rescatado del olvido en la segunda mitad del siglo XIX. En La callejuela parece como si pintase el retrato de un día normal de su vida. Tenemos la sensación de que esa imagen es parte de la realidad y nos sometemos conscientemente a esa ilusión, a ese engaño. Nada puede pasar allí, ni siquiera el dolor y la muerte se atreverían a entrar: Admiramos su naturaleza de artefacto exquisito a la vez que sucumbimos al encanto de creer la total ausencia de urgencia, el refugio de la eternidad, que pretende representar.

La mentira que aceptamos conscientemente es una mentira triple: la mentira de que el mundo tridimensional puede ser representado sobre una superficie plana, la mentira de que puede existir una vida al margen del tiempo y la mentira de que la imagen que contemplamos es algo más que una imagen. Taylor nos recuerda las palabras de Oscar Wilde cuando se refería a la hermosa mentira del arte. Vermeer construye con su pintura un hermoso sueño, como si la vida pudiera quedar suspendida en un instante que, en su eterna repetición, es siempre nuevo, pero nunca cambia; el pintor logra crear la ilusión de que hemos atrapado el tiempo. La mentira de Vermeer es un ameno ensayo en el que su autor, nos introduce en los misterios de un pintor que acaba convenciéndonos de que su mirada es también la nuestra. En esta cuidada edición se incluyen reproducciones de los cuadros comentados y unos exhaustivos apéndices sobre las fuentes utilizadas. Una buena forma de iniciarnos en la pintura de Vermeer o de regresar a él guiados por un experto, para recordar que la hermosa mentira del arte es, al mismo tiempo, su verdad. Por eso, al igual que Proust y sus personajes, siempre deseamos regresar a Vermeer.

Lo de las otras mentiras lo decía en alusión al pintor húngaro Elmyr de Hory que hizo temblar los templos artísticos con sus falsificaciones y El Círculo de Bellas Artes de Madrid nos acercó a su fascinante figura en una exposición hace 3 años, y lo recuerdo ahora en contraposición al comentario que hice recientemente sobre los hermanos Posin, comprueben las diferencias. Elmyr llegó a pintar más de mil obras y utilizó hasta 60 alias para eludir a la justicia. Nacido en Budapest en 1906, parece un personaje salido de la mente más retorcida y brillante de Hollywood. Su vida y su trabajo son dignos de un guión cinematográfico que bien merecería un Oscar. Nadie sabe cuánto hay de verdad en su biografía, lo mismo que nadie sabe en realidad cuántos cuadros suyos hay colgados en los grandes museos del mundo, siendo adorados, cual becerros de oro, como auténticas obras maestras de Picasso, Monet, Renoir, Modigliani, Matisse… Se cree que llegó a pintar más de mil. Sudores fríos les entran a los directores de las más prestigiosas pinacotecas al oír su nombre. La suya fue una vida de engaños, fraudes, plagios, estafas. Vida contada por su amigo Clifford Irving, otro célebre estafador, autor de una falsa biografía de Howard Hughes que le llevó a prisión.

Tanto la exposición, como la obra de Elmyr de Hory suponen una reflexión sobre lo verdadero y lo falso en el mundo del arte, conceptos como la autoría, la atribución, la copia, el plagio, la apropiación indebida, el pago del canon o los derechos de autor, tan en boga hoy, que ya les comenté al hablar de MashUp. Se hacía pasar por hijo de unos ricos aristócratas judíos, que murieron en un campo de concentración en la II Guerra Mundial. Su última pareja y heredero, Mark Forgy, se encargó de desmentirlo: su padre era un comerciante de clase media y la familia sobrevivió a la guerra. Cuenta Irving en su biografía que la Gestapo le sometió a un duro interrogatorio en el que le rompieron una pierna y se escapó a París, que fue perseguido por el FBI… ¿Verdadero o falso? Lo que sí parece cierto es que su meteórica carrera en Falsificación de Obras de Arte arrancó aquel día de 1946 cuando su amiga millonaria Malcom Campbell vio un dibujo suyo en su estudio. ¿Es un Picasso, verdad? ¿Lo venderías?  Dijo sí a todo. En ese instante se dio cuenta de lo fácil que sería ganar dinero pintando a la manera de, que es una forma elegante de referirse al plagio y la falsificación. Con el título Elmyr de Hory. Proyecto Fake la exposición reunía óleos, acuarelas, dibujos, litografías: 28, pintados «a la manera» de los grandes maestros; 6, «a la manera» de De Hory.

Yo pinto con el estilo de otros pintores, pero nunca copio de ellos -decía-. Yo no copio, sino que interpreto a otros pintores. Y eso no es nada nuevo en la historia de la pintura. Esa interpretación es captar el alma del artista, el espíritu de su arte. La falsificación pretende ser la pura reproducción técnica de una obra, la interpretación va mucho más lejos. Quienes le conocían le retratan como un histrión culto, elegante, buen anfitrión, fascinante… Se hizo de oro vendiéndoles falsas obras de Matisse, Degas, Renoir, Picasso o Braque a los nuevos ricos de Texas que hicieron fortuna con el petróleo. Prestigiosos museos cayeron en su trampa y el gran coleccionista Hurtle Meadows llegó a atesorar 41 obras falsas en su colección. Pero el gran negocio llegó cuando se asoció con dos grandes estafadores: Fernand Legros y Réal Lessard. Sus últimos 16 años los pasó en Ibiza. Fue investigado y sometido al Tribunal de Vagos y Maleantes. Pisó la cárcel no por falsificador sino por homosexual, convivir con delincuentes y por carecer de medios demostrables de subsistencia. Reclamado por la Justicia francesa, Elmyr de Hory temía que, si era extraditado, le matarían Legros y Lessard. Se suicidó en 1976. Aunque tal vez que no fue tal, sino un error de cálculo fatal con los barbitúricos. Hasta la forma en que murió genera dudas de certeza. Para rizar el rizo, se hallaron en el mercado obras que figuraban como realizadas por De Hory que no eran suyas. El falsificador falsificado. Si se colgaran mis cuadros en un museo el tiempo suficiente, se volverían auténticos, comentó. Qué gran verdad. Quizás, una de las pocas verdades de su falsa vida.

Para terminar sólo unos versos de Amílcar Luis Blanco, que le tomé prestados sin pedirle permiso y a cambio les dejo su enlace. Decía Bansky y no sin razón que es más fácil pedir perdón que pedir permiso.

…………Si callando me encuentro con tu mortal sentido y dándome a tus ojos, a tus manos, me ocurre sentir que la mentira cuerpo a cuerpo discurre con mi amor, una culpa pulsará en su latido…….

Sorry

Les traigo hoy esta imagen para ilustrar la entrada, se trata de la caratula del video clip Sorry, uno de los mayores éxitos de Justin Biever. Me llama la atención que decir lo siento sea la frase que más se emplea en las relaciones verbales entre dos personas, pareja, padres e hijos, amigos, compañeros, rivales, etc., pero mientras algunos se resisten a emplearla cuando deben porque no les sale, a otros, de tanto usarla, se les deshace en la boca causando empalago, …… que difícil es aparcar en tu plaza sin pisar las rayas.

Este cuadro, El árbol del perdón, pintado por Edward Coley Burne Jones, que se encuentra en el National Museum Liverpool y dos grandes artistas del renacimiento de fama mundial me van a servir para hablarles un poco del tema. Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti constituyen una pareja de circunstancias, son coetáneos, aunque se llevaban 23 años de diferencia, y durante los 44 que vivieron ambos entre Florencia y Roma, tuvieron muchas ocasiones de coincidir, aunque no ha quedado constancia de que tuvieran una relación cordial ni siquiera de que se relacionaran asiduamente, a pesar de frecuentar el jardín de los Medicis o los ambientes artísticos romanos. Ambos eran artistas multidisciplinares, arquitecto, escultor y pintor Miguel Angel, y un erudito completo Leonardo pues se le puede considerar pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Coincidían en otras muchas cosas, no solo artísticas sino también en su pensamiento avanzado, su postura ante la iglesia, sus costumbres, su curiosidad intelectual, su sentido de la perfección y tantas otras que les  han llevado a ser considerados como genuinos representantes del hombre moderno renacentista, pero en lo que no coincidieron en absoluto fue en su carácter, pues el de Miguel Angel era hosco, de los del grupo que no piden perdón ni queriendo, mientras que Leonardo era una persona muy afable al que no le dolían prendas disculparse y esa afectividad suya le situaba un escalón por encima del resto de los mortales y le aportaba una gran seguridad personal.

Christian Gálvez, el presentador de televisión, acaba de publicar su novela Rezar por Miguel Angel, que se complementa con otra anterior Matar a Leonardo, ambas de la editorial SUMA. En las dos, el autor recrea una época gloriosa de la Italia renacentista, cargada de acontecimientos en torno a las dos ciudades, Roma y Florencia, que llevaron al extremo su rivalidad en el campo de la política, la economía, la religión, la cultura y el progreso social. El argumento de cada una de las novelas se centra en una ingeniosa teoría de ciertas actuaciones de los artistas, que no quiero desvelar aquí, en ellas se mezclan intrigas, arte y pasión como no podía ser de otra manera y el armazón de los relatos se complementa con una buena cantidad de personajes y situaciones históricas, datos y detalles curiosos, aunque algunos de ellos sean leyendas traídas al pelo para justificar alguna postura de los personajes, como la famosa alusión al alma de las mujeres no reconocida hasta el Consejo de Macon del año 486 y por un solo voto a favor. Miguel Angel hablaba a los bloques de mármol mientras Leonardo aprovechaba sus estudios de anatomía diseccionando cadáveres en busca del alma, no son pocos los que después de él lo siguen intentando, pero no voy a entrar en ello, les recomiendo si les interesa el tema y cuando tengan tiempo que visiten el blog los cordones que me ato cada día en el que aparece un interesante estudio en tres capítulos sobre el particular acompañados con una música que invita a la lectura.

Pero volvamos a nuestros dos artistas porque ambos personajes están llenos de perdón, lo cual les hace más grandes. Ante una pregunta impertinente Leonardo responde con una lección de tolerancia y una obra maestra de sentimiento:

……hombre o mujer que importa, solo les diré que su cadera, medía 32 besos. Lo importante era amar y ser amado. La correspondencia en el amor por encima de cualquier duda ética o moral. La atracción de la riqueza corresponde al interés. La atracción del físico corresponde al deseo. La atracción de la inteligencia corresponde a la admiración. La atracción sin un determinado porqué corresponde al amor.

Bueno si les apetece leerlas entenderán bien lo del perdón, y el lienzo de Burne Jones que les mostraba al principio es para medir la cadera.

¡Otra vez el video clip, ahora con el link por si lo quieren escuchar y ver el video……adolescentes!

WhatsApp y MashUp

Puede ser que para muchos de ustedes no tenga nada que ver una cosa con la otra, salvo una pronunciación con un final parecido para los duros de oído como yo,  incluso después de leer los motivos por los cuales las junto en el encabezamiento de  esta entrada sigan sin encontrar ese nexo de unión, a pesar de todo y aunque solo sea para hacer una introducción, les diré que la idea que me lleva a relacionarlas es la de la relatividad del tiempo, de la duración de las cosas, de la continuidad de los actos, de la necesidad de la reflexión pausada – sin pausa no hay reflexión-,  todas estos conceptos tan cambiantes a lo largo de los tiempos en la dimensión espacial y a lo largo de la vida en la esfera personal. Me sorprendía, y creo que no era el único, cuando iniciábamos la resolución de un tema de cierta envergadura en la dimensión estratégica, táctica o logística, como alumnos en la Escuela de Estado Mayor, que el primer escollo con el que tropezamos era el de la distribución del tiempo que teníamos que hacer entre los diferentes escalones del Mando y sus estados mayores, hasta llegar a las unidades ejecutantes que necesitaban ese mínimo intervalo de reacción para prepararse y actuar en la dirección que se había decidido. El tiempo era oro, existe el oro puro, el oro negro del petróleo, el oro líquido del agua, el oro verde del aceite de oliva, el oro……siempre el patrón oro, el tiempo lo es también y la tecnología ha luchado contra el tiempo para facilitar la recogida de datos, el contraste de las noticias, la elaboración de informes, la comunicación de órdenes, la distribución de recursos, el encauzamiento de los movimientos logísticos……pero este esfuerzo no ha sido gratis, somos esclavos del tiempo y cada vez más se nos exige tomar decisiones en nuestra esfera de control sin apenas reflexionar, enviamos un mensaje y nos impacientamos al no recibir una respuesta inmediata, ¿o no es verdad esto que digo?.

Pero la verdadera intención de estas líneas es dar noticia de algo que conocemos casi todos por estar presente en la vida actual pero que muy pocos le ponen el nombre con el que se ha generalizado. El inglés es una lengua más viva que el español, a mi entender, y enseguida bautiza cualquier fenómeno que se repita antes de llegar a la docena. Se trata del MashUp y en concreto me voy a referir al mundo del arte, pues si bien el término se empieza a emplear en el mundo web como mezcla (de ahí su nombre) y combinación de aplicaciones que utilizan más de una fuente (sirva como ejemplo sencillo cuando buscamos una tienda y en su web se nos abre el mapa de goggle), o incluso en el campo de la música como género y técnica de producción musical basada en la yuxtaposición de diferentes fragmentos musicales, ritmos o sonidos, llamado también bastard pop (los dj,s que se convierten en estrellas).

En el campo del arte este fenómeno tiene una presencia muy intensa y da lugar a una reconsideración del concepto mismo de arte, el no arte, que se está debatiendo en el ámbito cultural casi desde las vanguardias históricas; a lo largo de la historia se ha pasado por diversos estadios en cuanto al autor de la obra (anónimo o con autoría, artesano o artista), después en cuanto al estilo, y luego con el concepto último de arte en lo que no nos vamos a detener por su extensión. El tiempo del que antes les hablaba está presente en la producción artística de una u otra manera, Miguel Angel se compromete por escrito a esculpir la Piedad en un plazo de un año, Antonio López tardo unos pocos más en pintar el retrato de la Familia Real, y las performances nacen y mueren en unos momentos ante los ojos de los espectadores, por no mencionar la rapidez que la técnica ha permitido a los apropiacionistas de los que ya les hablé en otra entrada, coger, trasladar y usar elementos de diversa índole en sus obras.

Es difícil aislar el acto creativo, y el campo de lo original está cada día más complicado como les decía en fosbury hablando de mi viejo profesor de estrategia que era un intelectual de reconocido prestigio, estudioso y lector empedernido y cuya frase a este respecto era: quien copia a otro está plagiando, quien copia de muchos es un erudito. J. Lethem va más lejos y se posiciona en Contra la originalidad:  …es evidente que la apropiación, la imitación, la cita, la alusión y la colaboración sublimada forman una especie de sine qua non del acto creativo y atraviesan todas las formas y géneros en el ámbito de la producción cultural… En una noticia publicada hace ocho o nueve años, leí la historia de los tres hermanos Posin que reproducen cuadros icónicos de la historia del arte, desde la Gioconda hasta El nacimiento de Venus de Botticelli y varios de Rembrandt, entre muchos otros. El verbo parece exacto: desde su taller en Berlín no intentan hacerlos pasar por originales, no cometen fraude, no los copian sino los re-producen, desde buscar lienzos envejecidos y crear pigmentos que logren el tono exacto del original, hasta hundirse paso a paso en el proceso psicológico del creador y darle su alma. Y aunque venden sus obras por precios que alcanzan los 10.000 euros, afirman que lo que les interesa es el arte, no el negocio, porque el plagio bien hecho es una obra de arte. Por eso, cuando algún museo despistado ha querido dar por original un cuadro suyo, ellos han afirmado: “es nuestro”. Los Posin ya cuentan con un museo en Brandemburgo que expone solamente sus trabajos y recibe unos 5.000 visitantes por año, felices de ver de cerca piezas cuyos originales nunca podrán admirar en Nueva York o París. Pero lo que más me alucina es que dan un paso más: llegan a reproducir obras que no existieron, a partir de imaginar que determinado artista hubiera pintado tal escena exactamente así. De algún modo se vuelven la conciencia viva del creador que murió hace siglos (o ayer).

Bueno pues y siguiendo con el tema de MashUp lo último que les voy a contar es la macro exposición que se inauguró en la galería VAG de Vancouver en el mes de febrero y que terminará el próximo domingo 12 de junio, me excuso por no haberla comentado antes, pero he tenido la primavera muy ocupada y Canadá estaba bastante lejos para encontrar una fecha conveniente, hoy les traigo las noticias y quizás alguno de ustedes pueda estirarse un poco y hacer un viaje rápido, vale la pena, de verdad.  El título de la exposición es MashUp. el nacimiento de la cultura moderna.  Se trata de una exposición multidisciplinar que cuenta con obras de artistas que van desde Pablo Picasso y Barbara Kruger a Sherrie Levine e Hito Steyerl. La muestra la componen 371 obras de más de 150 artistas entre pintores, fotógrafos, escultores, cineastas, video artistas, músicos, arquitectos, performers, collageros y diseñadores. Dividida en cuatro pisos, cada uno dedicado a una de las etapas del MashUp, es la más ambiciosa muestra que el recinto haya realizado hasta ahora. Propone este breve repaso de la forma dominante de producción cultural del siglo XXI:

• Principios del siglo XX: la era del collage y el readymade. Con el crecimiento de las técnicas de reproducción mecánica (como la litografía offset y la fotografía), las primeras décadas del siglo XX atestiguaron un cambio radical en la circulación de imágenes. El fotomontaje de fantasía fue una manifestación inicial de esta tendencia, que en poco tiempo transformaría el arte. Pablo Picasso exploró rudimentarios collages, en los que incluyó textos no creados por él, es decir, apropiados, como un pedazo de periódico. También el dadaísmo y el movimiento surrealista, los readymades de Marcel Duchamp y la exploración sonora de Luigi Russolo se inscribieron en la línea de rechazar las formas convencionales. Así se incorporaron a la obra de arte objetos, imágenes, palabras y sonidos tomados de distintas fuentes, recontextualizándolos.
• Post-guerra: la era de la referencia. Terminada la guerra, la ubicuidad de la radio y la televisión, así como la producción en masa y la mercadotecnia produjeron una segunda ola de cultura MashUp. Inspirada por el collage y el readymade de la primera mitad del siglo, fue protagonizada por músicos, artistas plásticos, diseñadores, cineastas y escritores. En la música, John Cage extendió el principio del readymade y exploró el remix, mientras Andy Warhol no sólo incorporó en su obra el discurso de la cultura pop y la publicidad, sino también replicó en ella los procesos industriales de producción. Así, sus piezas eran al mismo tiempo producto de la sociedad post-industrial y una crítica a la misma.
• Fines del siglo XX: la era del sampleo y la apropiación. La década de los ochenta vio surgir una generación de artistas que crecieron frente a la televisión, comiendo Fast Food y consumiendo masivamente, en una economía cada vez más global. Esa década también atestiguó el nacimiento de las cámaras portátiles de video y la fotografía instantánea, además del arte urbano de creadores como Jean-Michel Basquiat y artistas conceptuales, como Sherrie Levine. Y el fin de siglo conoció la explosión de los teléfonos celulares y las computadoras, junto con sus respectivos softwares de modificación de imágenes, sonidos, diseño. Esta tercera ola de cultura MashUp usó la parodia para cuestionar las estructuras de poder dominantes. Así, el siglo cerró con la realidad de que el escenario cultural había cambiado, que el sampleo se convertiría en la nueva fuerza creativa que dominaría los años por venir.
• Principios del siglo XXI: el remix en la era digital. El desarrollo de las tecnologías digitales y su asimilación masiva ha provocado un crecimiento exponencial de la generación, difusión y consumo de cultura visual. Hoy, cualquiera tiene acceso en su celular a un bagaje casi infinito de imágenes, sonidos y documentos colgados en la red, además de una todavía mayor posibilidad de copiar y mezclar. Términos como postproducción e integración son parte del vocabulario cotidiano de hoy, en el que las plataformas digitales constituyen una nueva arena de experimentación creativa. Artistas como Hito Steyerl y DJ Spooky estiran la liga de la recreación, en una exploración que todavía no tiene fin.

 El MashUp constituye el impulso revolucionario en el arte occidental causada por la llegada de collage: la forma en que se reunió con la innovación tecnológica para mutar en una variedad de metodologías que se han convertido en el centro de la forma de crear, a partir de la remezcla hasta la piratería del  vidding. Por supuesto que han aprendido a ver el collage y su legado formal, como una estética, algo perjudicial que puede hacerse hermoso, como el sexo. Sin embargo, cada artista tiene sus propias razones distintas para cortar, empalmar, y la erradicación de la reconstitución de significado y la autoría. Tales motivaciones pueden y deben ser increíblemente variadas caminando siempre hacia una invitación de su interpretación, que te estimula más allá de dogmatismo, más allá de la doctrina, más allá de la ideología, más allá de la autoridad.

Lo que es más extraño de MashUp es su actitud discreta frente a la política que se filtra por cada uno de sus poros. Es la versión curatorial del multiculturalismo: un mosaico contenido con tensiones ideológicas que surgen inevitablemente de todos modos y que, sin embargo, no están reconocidas. En muchos sentidos, este es un espectáculo sobre la violencia fundamental del arte y la cultura moderna y contemporánea. El corte, el saqueo, la apropiación de las obras en MashUp son polifónicos y polivalentes, como una representación emblemática de las violaciones, mutilaciones, los hurtos, los colonialismos, las tensiones y las guerras en el que pivota la cultura, y al que se acoge eternamente. Este es el verdadero propósito de la mezcla: poblar la cultura y sus conductores capitalistas con preguntas, para revolver. Es un espectáculo de aspecto brillante con un corazón más oscuro.

Esta es una exposición que aspira a ser vista para formar parte de nuestro tiempo. Sin duda queda todavía mucho por explorar en el terreno del arte no-original, del proceso no-creativo, sino más bien basado en la copia y la recontexualización. Habrá que estar atentos para ver hacia dónde se mueve el MashUp.

 

SI NO HUBIERA UNA MLRS HABRÍA QUE INVENTARLA

qué hay de cierto en esta denuncia? ….. tras cuarenta años de olvido

sombrasdeldesierto

Sombras del Desierto 27/05/2016

Sin duda, la Media Luna Roja Saharaui fue una de las mejores ideas del Frente Polisario. La forma perfecta para manejar y “distribuir” a su antojo toda la ayuda que se destina a los campamentos de refugiados saharauis de Tinduf, en Argelia.

La MLRS no está reconocida como Organización por Red Cross Internacional. No es más que una Organización “invitada”, pero no está reconocida. Por supuesto tampoco está reconocida por la ONU. Entonces…  ¿Por qué actúa como si lo estuviera? ¿Por qué está reconocida como intermediario válido por Espaňa y otros países?.

Sin duda, el haberse apoderado del nombre “Media Luna Roja” ha ayudado mucho. Esa “Organización” está presidida de forma unipersonal por el saharaui y miembro del Frente Polisario (todo queda en casa) Buhubeini Yahia. Él controla TODO.

Las ayudas “humanitarias” se ingresan directamente a SU CUENTA (él es el titular) del Banco Santander y…

Ver la entrada original 181 palabras más

Sombrero de caballería

Me vienen a la memoria  los años de cadete en la academia general  militar de Zaragoza en los que era costumbre y tradición poner motes a todos los profesores, a todos sin excepción; eran apodos que se heredaban de unas promociones a otras y que nos hacían aprender los cadetes veteranos nada más llegar ,  bueno nos hacían eso y otras muchas cosas, algunas muy simpáticas que en otra ocasión les contaré, eran novatadas que servían para tensar la cuerda de nuestra paciencia de novatos, para forjarnos, pero que en ningún caso sobrepasaban los límites de la dignidad y el decoro. Teníamos un buen plantel de profesores, muchos de ellos permanecían en sus puestos bastantes años, por lo que cuando llegaba alguno nuevo, los cadetes se esforzaban enseguida en ponerle su mote correspondiente en razón de alguna característica fisonómica, soniquete o metonimia, casi siempre buscando un punto de acidez. El maxi, el tanca, el remache, el triqui, el chapas, el salchicha, …. y tantos otros.  El título de la entrada,   es el mote de un capitán  de caballería que se incorporó en aquellos años y del que no recuerdo el nombre, pero no respondía en absoluto al modelo de los profesores que nos puteaban en las clases de equitación haciéndonos soltar los estribos y trotar a la española una hora sin parar cuando se mosqueaban, o que nos arengaban con frases que no debo repetir aquí; no era como sus compañeros de arma,  este era de trato afable, introvertido, educado, y lo que nos llamaba la atención era su gorra teresiana arrugada como las del séptimo de caballería, de ahí su apodo: Sombrero de Caballería.

El sombrero, cuyo uso ha decaído bastante, era, además de otras muchas cosas, un recurso para distinguir a las personas, un símbolo de distinción o de clase, en incluso un recurso cinematográfico como nos descubre Howard Hawks  que en una entrevista en la que le preguntan por las dificultades de las primeras escenas de la película Río Rojo en que salen un montón de vaqueros en primer plano conduciendo ganado, decía que la solución de las dificultades que se presentan cuando se tienen seis u ocho personajes que van a salir a escena continuamente en primeros planos es dotarles de elementos muy diferenciadores unos de otros y eso lo consigue con los trajes, con los colores y también con los sombreros, todos con sombreros diferentes a uno le pone un sombrero hongo, a otro de explorador, a otro de caballería, otro lleva un sombrero muy gastado y roto, y otro uno reluciente.

Cuando yo era niño la mayoría de los hombres que se veían por la calle iban tocados: con sombrero los caballeros o con gorra los menestrales. Recuerdo a mi padre siempre con sombrero, en invierno y en verano, y este recuerdo me da pie a que les plantee un acertijo de los muchos que nos planteaba él de vez en cuando, y que recientemente ha caído en mis manos por otra vía, hay que pensar un poco, es el JUEGO DE LOS SOMBREROS: En una celda hay tres prisioneros y el carcelero decide dejar a uno en libertad. Para ello les pone esta prueba: tengo cinco sombreros, tres negros y dos blancos. Os colocareis en fila, uno detrás de otro, y os pondré a cada uno un sombrero. El que acierte el color de su sombreo se salvará. Por supuesto no pueden ver su sombrero. Estando en fila, el tercero que ve a los dos de delante dice: no sé de qué color es mi sombrero. El segundo, que ve al primero y ha escuchado al tercero, también dice que no sabe de qué color es su sombrero. El primero, que no ve a ninguno y ha escuchado a los dos anteriores, dice: mi sombreo es de tal color y se salva. Si tu estuvieses el primero de la fila ¿sabrías de qué color es tu sombreo y razonarlo?

A lo mejor no tienen ustedes ganas de pensar en el acertijo, pero ya que estamos hablando de sombreros y de pensar aprovecho para hacerles una recomendación, se trata del libro Seis sombreros para pensar , de Edward De Bono, en el que se expone una metodología para discusiones y toma de decisiones en grupo. La herramienta, combinada con el pensamiento lateral al que es asociada, provee de unas materias a los grupos para pensar juntos más efectivamente, y materias para planear procesos de pensamiento de un modo detallado y cohesivo. El proceso de toma de decisiones es una actividad cerebral muy compleja en la que se mezclan emociones, sentimientos, y la ponderación de alternativas, ventajas e inconvenientes. El método de los seis sombreros intenta simular lo que ocurre en la mente humana adoptando el símil de un sombrero, ese objeto que una persona puede ponerse o quitarse a voluntad.

Cada uno de los seis sombreros es de un color diferente, lo que simboliza las diferentes formas en las que se puede observar la realidad. Cuando haya que adoptar una decisión, ya sea de manera individual o como grupo, Edward de Bono propone colocarse de forma secuencial un sombrero de cada color en la cabeza y expresar una opinión sobre el tema tratado. La única restricción que existe es que esa opinión tiene que seguir las reglas que se asocian con cada color. Así, por ejemplo, si estamos con el sombrero blanco, nuestro punto de vista tiene que ser lo más neutral posible, analizando las cosas con datos, hechos o cifras. Por el contrario, si utilizamos el sombrero rojo, nuestra visión puede ser más subjetiva y guiarse por las emociones, los sentimientos o las intuiciones. La meta de este modelo es encontrar una descripción poliédrica de los problemas sin tratar de juzgar a priori lo que está bien o está mal o lo correcto o incorrecto. La idea es descubrir las diferentes facetas de la realidad, hacer visibles los aspectos que puedan permanecer ocultos y facilitar el proceso final de toma de decisiones. Al no buscar la polémica estéril, este método ayuda a poner de acuerdo a personas que puedan mantener puntos de vista aparentemente irreconciliables, utilizando la empatía para evitar las confrontaciones infructuosas.

Si alguno echa en falta el sombrero negro, les remito a otra entrada que publiqué allá por el mes de abril del año pasado.

 

GALATEA y PIGMALION

El poeta latino Ovidio nos relata en su obra Metamorfosis, en el Libro X, versos 243-297, la historia de Pigmalión, que era un sabio y bondadoso rey de la isla de Chipre; era también un sacerdote y un extraordinario escultor. Durante mucho tiempo buscó para esposa a la mujer más bella y perfecta de Grecia sin encontrarla en ningún lugar. Es más, asqueado por los vicios y la mala conducta de algunas mujeres que prostituían sin pudor la belleza de su cuerpo, decidió vivir solo, sin compañera para su lecho, y dedicarse para siempre a esculpir bellas estatuas.

Un día, decidió esculpir con su extraordinario arte el cuerpo de una mujer de marfil blanco como la nieve a imagen y semejanza de la diosa Venus. Acabado el trabajo y encontrándolo más perfecto que si lo hubiera hecho la propia naturaleza, se enamoró de aquel bello cuerpo de mujer, a la que llamó Galatea. Parecía la estatua de marfil una joven de verdad viva a punto de levantarse y hablar dulces palabras. El corazón de Pigmalión se encendía más y más cada día de amor por Galatea, a la que acariciaba y besaba y estrechaba en sus brazos. Creía incluso en su desvarío que ella le devolvía los besos y respondía a sus frases enamoradas.

— Querida Galatea: te traigo flores de mil colores y joyas para tus manos y este largo collar para tu cuello. – le decía tiernamente. O solícito y cariñoso acostaba el bello cuerpo desnudo diciendo:

— Descansa, querida compañera mía en este lecho de púrpura y recuesta tu cabeza en estos cojines de blandas plumas.

Mientras tanto había llegado el día de la fiesta de Venus, la patrona de Chipre. El sacerdote Pigmalión sacrificó en el altar de la diosa algunas jóvenes terneras de blanca piel que llevaban la cabeza y los cuernos adornados con cintas de colores y láminas de oro y el incienso quemado esparcía su humo oloroso y dulzón por el templo. Con voz tímida susurró el rey, sacerdote y escultor, ante el altar:

— ¡Oh dioses todopoderosos! Os suplico que mi esposa, si algún día la encuentro, sea semejante a mi mujer de marfil.

Escuchó Venus, la diosa del amor que asistía a la fiesta, estas palabras con divina piedad. Cuando Pigmalión regresó a su casa acudió junto a la estatua y le dio un cariñoso beso. Se quedó profundamente dormido y le pareció en sueños que el cuerpo de marfil no le devolvía el gélido frío del marfil inerte, sino que estaba tibio. Acerca de nuevo su boca y toca su pecho con sus manos temblorosas. El marfil abandona su dureza, se reblandece y cede a la presión de los dedos. Despierta sobresaltado y temeroso e incrédulo y asombrado toca una y otra vez el cuerpo silencioso y con sus caricias le infunde calor y vida. Ahora ya es un cuerpo vivo, sus músculos flexibles dan movimiento a sus miembros, la sangre recorre sus venas que tienen pulso y tiñe de color de rosa su rostro. Cuando Pigmalión besa por fin la boca viva de Galatea, ella se ruboriza y mira con arrobo a su marido. Pigmalión se dirige respetuoso con palabras de agradecimiento a Venus y la diosa del amor aparece de repente, espléndida y brillante y le contesta afable:

— Mereces la felicidad, Pigmalión, una felicidad a la que tú mismo has dado forma con tus actos. Aquí tienes a la reina y esposa que has buscado. Ámala para siempre, defiéndela del mal y comparte con ella tu felicidad”. De esa forma Galatea se transformó en una mujer real y Pigmalión vio cumplido el deseo que con tanta ilusión persiguió.

Son muchos en la Historia los ejemplos en los que el autor se enamora de su obra, sea en el arte de la escultura o de la pintura. Leonardo de Mona Lisa, la Gioconda, obra que mantuvo con él durante toda la vida. Miguel Angel y su Moisés, al que consideraba su mejor obra y al que según la tradición, golpeó con el martillo para que hablase porque era lo único que le faltaba. El tema de Pigmalión y Galatea ha sido recogido por numerosos pintores y escultores: Bronzino, Boucher, Gérôme, Goya, Edward Burne-Jones, Girodet, Poussin, Daumier, Rodin y Falconet, …

El teatro y la música también lo ha reinterpretado en muchas ocasiones: en los siglos XVIII y XIX hay no menos de media docena de óperas, comedias musicales y ballets sobre el mito de Pigmalión. En época moderna la más famosa recreación fue la obra dramática de George Bernard Shaw llamada también “Pigmalión”, publicada en 1913. En ella un profesor de fonética transforma a una florista londinense de hablar vulgar y descuidada en una sofisticada dama de perfecta dicción. Sobre la obra de Bernard Shaw se hicieron varias películas, la más famosa y de enorme éxito My Fair Lady o más recientemente Pretty Woman, retoman el viejo mito.

Diversos críticos, especialmente algunos feministas, han remarcado el carácter machista del mito que resalta la superioridad masculina por el hecho de que sean precisamente hombres los artistas, los modeladores, y mujeres, en cambio, el producto, lo modelado. Actualmente las nuevas modas de los sugar baby en relación con los sugar daddy o sugar mommy, imponen un criterio de igualdad en este tipo de “prostitución azucarada”.

Pero a santo de qué, pensarán ustedes, les he recordado aquí el mito de Pigmalión, y no van descaminados porque la razón que les voy a dar está cogida con pinzas. Llevaba cierto tiempo sin recomendarles algún libro y recientemente ha caído uno en mis manos que creo que es de interés comentar, se trata de la novela de L.S. Hilton, MAESTRA, que está siendo muy criticada por delante y por detrás, valga la expresión, y que próximamente la veremos convertida en una película de éxito, al menos por el interés que están poniendo en su lanzamiento ya que Columbia Pictures (productora de Millennium) ya ha adquirido los derechos con un guion escrito por la guionista de La chica del tren, Erin Cressida Wilson.

La protagonista y narradora de la historia en primera persona, es Judit, joven ayudante de una famosa casa de subastas de Londres. Amante del arte y conocedora de las joyas que pasan cada día por allí, se desespera ante la hipocresía y la doble moral de sus jefes, que no dudan en hacer trapicheos con los cuadros de los grandes maestros y las falsificaciones, aprovechando la soberbia de los nuevos ricos con mucho dinero para gastar y poco conocimiento del arte. Judith vivió una dura infancia y no quiere volver a ese mundo, pero su sueldo  no le da para vivir, de modo que de noche se convierte en otra mujer para hacer de acompañante en un sórdido bar de alterne del West End. Y lo hace sin dramas ni arrepentimientos porque tiene un objetivo. Hasta el día que descubre un fraude millonario en la casa de subastas y es despedida antes de poder denunciarlo. A partir de ahí empieza una huida hacia delante que la lleva desde la Riviera francesa hasta Ginebra y París a través de un mundo de lujo desmedido y obsceno que ni siquiera sabía que existía. Judith avanzará por ese universo voluble impulsada por su pasión por el sexo en todas sus variantes, su nueva ambición y la rabia por la injusticia que han cometido con ella. Pero tiene otros objetivos en la vida, no quiere ser siempre una acompañante de lujo y logra que uno de sus amantes le financie parte del dinero para montar una galería de arte con base en Ginebra. Y sobre todo porque Judith tiene en mente a una de sus heroínas en el mundo del arte, Artemisia Gentileschi.

Se trata de un thriller psicológico que es a la vez una historia de poder, corrupción, desencanto y lujo donde el arte es la excusa y el motivo para cometer todo tipo de delitos. Un libro que mezcla dosis adecuadas de intriga, erotismo, violencia, lujo e historia del arte, escrito en un lenguaje muy ágil, poco literario dirían algunos críticos, pero muy actual. A algunas personas les puede rechinar no tanto los hechos que se narran como que el narrador sea una mujer, la protagonista de la acción, a mí me mandaron la novela diciéndome que no la habían terminado de leer, y eso quizás me espoleó para llegar hasta el final, que no les quiero anticipar para no influir en su criterio, sólo les quiero decir que las películas de 007 nos las envuelven en papel de celofán con toda su carga de violencia, crímenes, sexo, drogas….con un protagonista masculino y no digo más. Realmente nos asustamos con una falsa moral de situaciones que sabemos que se producen y cuando las vemos explícitas en películas como Eyes wide shut que estrenó Stanley Kubrick hace 17 años, o en novelas como las 50 sombras de Grey, las consideramos como tales.

En el día de la madre

no está el patio para muchas alegrías, en el día de la madre les traigo a ustedes esta imagen doblemente triste del tema tan actual de los refugiados para que cada uno saque sus propias conclusiones……..no podemos seguir con las manos en los bolsillos¡¡

Lectura y pintura son nombres de mujer

No quisiera dejar pasar un día más, ya sé que me he retrasado, pero para contribuir a mi modo a esta celebración que hacemos aquí en España del día del libro, les traigo hoy una reflexión, unas pocas frases interesantes y muchas imágenes, aunque no todas las que tengo recopiladas para no cansarles.

A base de ver cuadros de todas las épocas me encuentro con un tema muy repetido por muchos pintores: una mujer con un libro en las manos. Lo primero que se me ocurre, de una manera completamente subjetiva, por supuesto, es pensar que los artistas a lo largo del tiempo han tratado de dignificar el papel de la mujer revistiéndola con ese atributo de la inteligencia que nos sugiere la actitud de la lectura; pero inmediatamente me entra la duda de porqué era necesario plasmarlo de forma explícita, ¿acaso para demostrar lo que de alguna forma se les negaba en la práctica?……… me gustaría que las personas que tengan la paciencia de leer esta entrada y asombrarse con la cantidad de imágenes que les traigo hoy, además de tener el placer de reconocer muchos de los cuadros o al menos a muchos de sus autores,  pensaran en el tema y en su caso emitieran un parecer, porque en lo que estaremos todos de acuerdo es en no recordar casi ningún cuadro, aparte de los religiosos, en que aparezca un hombre leyendo, todo lo más con la mano encima de un  libro en actitud de dominio sobre lo que representa; bueno alguno sí que hay.

Tengo que agradecer a mi amiga Diana la ingente labor recopiladora, de la que ahora me aprovecho para escribir estas palabras, es probable que se cansen ustedes de leer todas estas citas, pero les ruego que aunque las lean en diagonal no dejen de ver todas las imágenes para darse cuenta de este fenómeno que hoy les comento.

 

 

¿Dónde estaban las mujeres que eran verdaderamente libres y no se pasaban la vida rebotando de hombre en hombre, sintiéndose completas con o sin marido?…… leyendo y/o escribiendo.

 

… no negaré que desde que me rayó la primera luz de la razón, fue tan vehemente y poderosa la inclinación a las letras, que ni ajenas reprensiones –que he tenido muchas–, ni propias reflejas –que he hecho no pocas–, han bastado a que deje de seguir este natural impulso que Dios puso en mí.  Sor Juana Inés de la Cruz

La lectura es un almácigo de ideas y de ideales políticos, sociales, económicos, religiosos… Muchas veces, las ideas contenidas en los libros son un desafío para el orden establecido; por ello las lectoras de todos los tiempos se han valido de los libros para luchar contra la injusticia y el abuso del poder, a despecho de castigos tremebundos y bibliotecas reducidas a cenizas por los déspotas del momento.  Evelia Botana Montenegro

La lectura es el orden de la oscuridad de la noche, incluso cuando se lee en pleno día al exterior, la noche se instala alrededor del libro. Marguerite Duras

 

Leer puede volverla a una, rebelde e infundirle la idea de que es posible apartarse del camino que le habían trazado otros. Michèle Petit

 

Hay quienes leen los libros para no sentirse menos que los entendidos; o para entretener el tedio de la sala de espera; o para olvidar los agobios de los acreedores, o los desprecios de un ingrato, ….

 

… pero hay, además del snob y del que busca las rutas de su evasión, la lectora común que sólo va tras su propio placer; la que se deja guiar por su propio instinto…

… y se comporta frente al libro, con la apertura maravillada de quien se dispone a recibir una revelación; con el respeto del huésped en la casa ajena; con la curiosidad de la niña cuando tiene a su merced a un adulto…

 

…con la insistencia apasionada y aún con la importuna devoción de una adolescente; con la libertad que conquista y abandona, que escoge, que guarda, que olvida. Lo único a lo que la lectora común aspira cuando lee es a vivir entre los que viven. Rosario Castellanos

Hallé una flor dentro de un libro. Dijiste: “Puse mi amor en cada pétalo”.  Vi que allí estaba su fantasma y el tuyo, tiré la flor marchita y a ti; -te exorcicé- No acumulo despojos y sigo leyendo libros.  Thelvia Marín

La verdad no es premio al renunciamiento, sino corona de la abundancia, y está derramada sobre todas las cosas. Pero se recoge y atesora en los libros donde resplandece su propia luz para los ojos de la que lee. Rosario Castellanos

Cuando una inicia el acercamiento a la lectura con las niñas, se realiza un trabajo de escultura; se empieza por conocer y reconocer el valioso material con que se va a trabajar y la importancia de dicha labor, por lo que se pone en juego todo lo aprendido, la dedicación, paciencia y el disfrute de hacer lo que más le gusta a una…Formar lectoras es una tarea lenta, placentera, ardua e infinitamente satisfactoria. Diana Flores Carrillo

Las mujeres reales, no las de la literatura, no podían ser escritoras, científicas o sobresalir de alguna manera, porque a las mujeres se les encerraba con llave, les pegaban, les elegían el marido y las zarandeaban… apenas sabían leer, apenas escribir y eran propiedad de su marido. La libertad intelectual depende de cosas materiales, la poesía depende de la libertad intelectual; las mujeres siempre han sido pobres desde el principio de los tiempos. Por lo que hay que tener 500 libras al año, una habitación propia con cerradura y acceso a una biblioteca para arribar al mundo y no permanecer sola en casa y ser zarandeada. Virginia Woolf

 

Yo leo literatura porque: el mundo, con la variedad y multiplicidad de sus objetos, con el ritmo de sus acontecimientos, con sus cambios incesantes en los órdenes y las relaciones entre las cosas, con sus apariciones súbitas e inexplicables y sus desapariciones repentinas y misteriosas; me produce vértigo….

 

… en cambio la página es una especie de remanso tranquilo en la que se reflejan las formas y permanecen inmutables, ofrecidas a la contemplación, invitando a su desciframiento…

 

…la página es un espejo que me guarda la consideración de no reflejarme, sino de ceder el sitio a la protagonista de mi lectura. Rosario Castellanos

El conocimiento de la lectura se difundía por ciudades y pueblos de Europa y el libro se convertía en instrumento de difusión de la cultura y vehículo de expansión de creencias y justificación de actitudes…

…los lectores, que antes eran solamente clérigos y maestros, ahora se encontraban entre los más diversos grupos sociales: Predominaban los hombres, pero también leían algunas mujeres. Pilar Gonzalbo

¿Hemos de renunciar a las diversiones, a las ternuras y a las frivolidades, a la amistad porque amamos los libros? No, porque en los libros encontraremos todo eso y mucho más y con mayor lucidez. La que lee es alguien que entiende y goza con lo que lee; que puede ver el punto de vista de otro mientras lee; que descubre nuevos mundos al leer…

 

La que lee es alguien que puede usar la lectura tanto para informarse como para reír o llorar; que no cree casi nada de lo que dicen los periódicos, pero sí, todo lo que lee en los cuentos; la que no sabe existir sin leer. Para una lectora, la lectura es un instrumento para la vida. Carmen Diana Dearden

 

Los libros con los que se puede jugar son aquellos que hablan a los sentimientos irracionales, a los deseos, a las pulsiones y a las pasiones. Son libros que hablan al corazón de quien los lee y la interpelan como heroína de la acción. Sarah Corona Berkin

 

La madre superiora de la orden Jerónima exhortaba a Sor Juana: -Es inadmisible que leáis hasta muy entrada la noche. Debéis comprender que los estudios en las mujeres son cosas que rechaza la Santa Inquisición, porque en ellos no hay nada bueno-…

…la inmediata respuesta de Sor Juana fue: -¡Vos sois una tonta y más que tonta!- Escandalizada la madre superiora pidió ayuda al arzobispo de México, amigo de Sor Juana. -¡Imagínese su paternidad que la susodicha Sor Juana llegó a decirme “tonta y más que tonta”!  A lo que monseñor contestó: -Muy bien, madre priora; pruebe su reverencia lo contrario y se le hará justicia-.   Delfina Careaga

A pesar de haber estado tentada a disfrazarse de varón para tener acceso al conocimiento de la Universidad, y no obstante haber dado muestras sobradas de sus méritos para hacerlo, Sor Juana prefirió asumir su condición de marginada, oportunidad de creación de un saber reivindicatorio de lo marginal y lo diferente. El enclaustramiento de Sor Juana ponía de relieve el secuestro del saber. Así al defender los valores democráticos, al enfrentarse a la discriminación y la intolerancia, al defender el pensamiento libre y plural, el Fénix de México, actuó en defensa propia. Graciela Rodríguez 

 

Los libros son también un medio de aprender a sentir más intensamente. Escribir es una manera de llegar a la profundidad del ser. Marguerite Yourcenar

Leer nos permite jugar con el tiempo y el espacio: en palabras de Gabriela Mistral, con un libro ante nuestros ojos, “estamos donde no estamos”. Cuando leemos, somos ubicuas y atemporales, somos quienes somos y también los otros, somos la realidad y lo posible.

 

La lectura nos hace inmigrantes a todos. Nos lleva lejos de casa, pero lo más importante, nos encuentra un hogar donde sea. Hazel Rochman

 La lectura de libros parece curiosamente, operar nuestros sentidos en cataratas; después de leerlos vemos con más intensidad; el mundo aparenta haberse despejado del velo que lo cubría y haber cobrado una vida más intensa. Virginia Woolf

Para que un buen libro tenga esta cualidad, debe, una vez que ha sido arrojado como una piedrita de Eucalión, adquirir una intensa vida propia. Caroline Lejeune

 

Lo que sucedió usted lo sabe: aprendí a leer y mi soledad encontró compañía, el silencio se pobló de voces, el vacío se llenó de fantasías. En los libros encontré lo que necesitaba, ahora es mío el mundo y hasta una porción de la eternidad. Como dice el poeta: “¡Poseo dragones y dioses y lunas!” Me he imaginado a mí misma en grandes romances y en arrebatos místicos, en la entrega revolucionaria y en el fuego de la poesía. Me imaginé el placer y no sólo viví todas las pasiones sino también la diversidad de sus matices. Sara Sefchovich

Leer un libro es reescribirlo para ti misma, llevas a la novela o a lo que sea que estés leyendo, tu experiencia del mundo, llevas tu historia y lees en tus propios términos. Ángela Carter

La voz o estilo femenino, tradicionalmente identificados a lo intuitivo, a lo sensible, a lo delicado, a lo sutil es un mito creado por los hombres. Si a algo habría que llamar femenino sería a la voz de esos terribles escritos de mujeres que colocamos sobre nuestros recuerdos y se identifican con ellos porque son la transcripción exacta y fiel de la verdad. Sucede así porque la experiencia de la mujer es acumulativa y atraviesa el tiempo. Rosario Ferré

 

Hay libros tan vivos que siempre temes que mientras no leías, el libro se había cambiado, se había transformado como un río; mientras seguías viviendo, él también lo hacía, y como un río continuaba y se alejaba. Nadie ha estado dos veces en el mismo río, pero ¿ha estado alguien dos veces en el mismo libro? Marina Tsvetana

 

Si este mundo fuera mínimamente cercano a lo que debiera ser, no habría más necesidad de una semana o día del libro, que de una Sociedad para la Prevención de Crueldad hacia los Niños. Dorothy Parker

 

La literatura es mi Utopía. Aquí no soy rechazada. Ninguna barrera de sentidos me aleja de este dulce, gracioso discurso de mis amigos los libros, ellos me hablan sin vergüenza o incomodidad. Helen Keller

Leer y escribir son sinónimos de: existir. Gertrude Stein

 

Cuando entro a ésta Biblioteca, no entiendo por qué rayos salí. Marie de Sevigne

 

“Donde no hay libros hace frío”.  Vale para las casas, las ciudades, los países; un frío de cataclismo, un páramo de amnesia. María Elena Walsh

 

Mis libros son barriles sin fondo de aventuras. Son mares infinitos de sabiduría. Son cielos repletos de nubes de fantasía. Son mis almas gemelas. Pueden abandonarme mis amigos, ignorarme mi familia, el mundo entero podría darme la espalda, pero los que siempre estarán ahí los que siempre me han hecho reír, llorar o soñar por igual los que por ningún motivo me dejarán sola: -Mis libros-.  Xaydé Esquivel Flores

 

Lo que está cambiando es la posibilidad de acceso al conocimiento de los textos vitales, los efectos visibles en la vida de las mujeres al escuchar y ver nuestras experiencias inefables o negadas que de pronto se afirman y persisten en el lenguaje. Adrienne Rich

Gracias de nuevo a mi amiga Diana Flores Carrillo compiladora de esta inmensa colección de imágenes y textos.

 

 

 

pareja de artistas

Hoy les traigo una nota personal para no hablar de la república que tantos ignorantes ansían y desconocen, se trata de dos compañeros míos de los lejanos años de cadetes en la Academia Militar de Zaragoza, que han dedicado parte de su tiempo libre a la pintura desde diferentes facetas. Uno de ellos, Ramón, mezcla en sus óleos el áspero viento del desierto cargado de arena con la suavidad del frío y de las nieves de su Pirineos, el otro, Justo, es como una aparición decimonónica que nos presenta en sus acuarelas lo más sutil de la imagen detenida en el pasado.

Ambos son excelentes compañeros, buenos pintores y están dotados de una gran sensibilidad artística que les ha llevado a exponer juntos para hacer lo que está tan de moda: que sus cuadros dialoguen.

 

La exposición se inaugura mañana en la Residencia Militar Alcázar de la calle Diego de León esquina a Claudio Coello en Madrid y permanecerá 15 días colgada.

 

Besos sin final

 

Aunque todos se parecen, en realidad no se parecen. Unos reptan y otros vuelan. Uno es amenaza que pone a temblar la fortaleza. Otro no advierte y simplemente toma la plaza. Algunos transmiten urgencias y los demás son todo lo morosos que pueden ser. Éste es túnel oscuro que desemboca. Aquél trae el sol prendido al pecho. En este día de sosiego, con más luz de la normal invito al portentoso “Besos”, de Tomás Segovia (1927-2011), porque ocupo y porque celebro en mi imaginación una fiesta de besos. No sé qué pasa cuando me besas, pero pasa. 

El poema de Segovia es largo y la atención es corta, de modo que comparto sólo los versos iniciales. Ojalá con ellos despierte el hambre de leerlo todo, hasta esa fanfarria final:

“[…] besaré, besaré/ hasta hacer que toda tú te enciendas/ como un farol de papel que flota locamente en la noche”.

 

Besos

Mis besos lloverán sobre tu boca oceánica
primero uno a uno como una hilera de gruesas gotas
anchas gotas dulces cuando empieza la lluvia
que revientan como claveles de sombra
luego de pronto todos juntos
hundiéndose en tu gruta marina
chorro de besos sordos entrando hasta tu fondo
perdiéndose como un chorro en el mar
en tu boca oceánica de oleaje caliente
besos chafados blandos anchos como el peso de la plastilina
besos oscuros como túneles de donde no se sale vivo
deslumbrantes como el estallido de la fe
sentidos como algo que te arrancan […]

 

Aquí, el enlace al poema completo, y a otros poemas de Tomás Segovia.

Lectura, cine y rock and roll

Me vais a permitir que insista, parafraseando al mensaje publicitario de una conocida compañía de seguros, me vais a permitir que insista y os recomiende de nuevo a una banda de rock & roll auténtica que vuelve a presentar un concierto para sus amigos en la sala La nueva Década de Madrid, como hace un año, 8 y 1/2 Band nos trae versiones pop-rock desde los años 50 hasta nuestros días. En su repertorio incluyen temas de The Beatles, Queen, Lenny Kravitz, Tina Turner, David Bowie, U2, Pink Floyd, Supertramp, Burning, Los Piratas, Leño y Rosendo, Barricada, Los Ronaldos, Hombres G, AC/DC, Dire Straits, The Cramberries, The Police, Fito y Fitipaldis, Platero y tú, Ariel Rot, ZZ Top, Jerry Lee Lewis, y muchas sorpresas más…, las copas son baratas y el ambiente muy agradable, es un concierto para los amigos.

Y siguiendo la pauta de asociar ideas, para acompañar al mensaje informativo sobre el concierto, hoy os traigo la propuesta de un sitio en el que seguramente podréis encontrar muchas cosas interesantes, para regalar, para leer, para estar, para conversar, para escuchar, para participar, para descubrir…… especialmente si tú y la persona en la que estás pensando tiene como afición el cine. Se trata de una de las mejores librerías de cine de Madrid, se llama “Ocho y Medio” y se encuentra en la C/ Martín de los Heros, 11 (Frente a los cines Golem y Renoir), no lo dudes porque es una apuesta segura.

No hace falta ser un cinéfilo empedernido para perderte entre las estanterías y pasillos abarrotados de miles de publicaciones relacionadas con el séptimo arte y los medios audiovisuales.

Nada más entrar es difícil no detener la mirada en todas las fotografías y carteles firmados, de películas que seguramente son las “historias de cine” favoritas para muchos, así como dejar pasar el tiempo curioseando entre la multitud de textos y artículos originales sobre el mundo del cine.

Encontramos un catálogo muy amplio en varios idiomas, miles de entradas que van desde las últimas novedades hasta las principales obras de referencia: revistas, libros de películas, directores, actores, fotografía, de carácter técnico, literario, ensayos, guiones cinematográficos, biografías…Hay de todo y siempre ofrecido por un personal muy especializado en la materia que os asesorará en todo lo que necesitéis.

Su oferta de merchandising tampoco deja indiferente: claquetas de cine, muñecos, pósters y todo tipo de artículos originales con las imágenes de los títulos y artistas más míticos de la historia del cine. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, James Dean, Superman, ET o el Mago de Oz son algunos de los clásicos más destacados.

Pero sobretodo y lo que más me gusta de este lugar, es que no solo se limita a la venta directa, se trata de un multiespacio en el que los amantes del cine pueden disfrutar de las diversas actividades culturales que se suelen llevar a cabo: presentaciones de libros, películas, encuentros literarios, coloquios, etc. a los que cualquiera de nosotros está invitado a acudir y participar.

En su web (aunque a veces no está muy al día),  podemos encontrar la programación de los eventos que organizan y, por si fuera poco, cuenta con un rincón – café y tienda gourmet donde tomarte algo en un ambiente cálido y confortable, mientras charlas con tus amigos o lees un libro, aprovechando que te has acercado para echar un vistazo o realizar alguna compra en la librería. Sándwiches, ensaladas o helados con nombres de películas, géneros cinematográficos o frases de cine. ¡Un plan perfecto! Además, disponen de terraza y zona Wifi.

“(…) y recordé aquel viejo chiste, aquel del tipo que va al psiquiatra y le dice: Doctor, mi hermano está loco, cree que es una gallina.

Y el doctor responde ¿pues por qué no lo mete en un manicomio? y el tipo le dice: Lo haría, pero necesito los huevos. Pues, eso más o menos pienso sobre las relaciones humanas, saben, son totalmente irracionales y locas y absurdas, pero supongo que continuamos manteniéndolas porque la mayoría necesitamos los huevos (Annie Hall, 1977)”

Epimeteo, Pandora y la investidura

En la mitología griega Epimeteo (el del pensamiento tardío) era hermano de Prometeo (el del pensamiento reflexivo y previsor). Ambos actuaban como benefactores de la humanidad, pero mientras que Prometeo se caracteriza por ser ingenioso e inteligente, Epimeteo se representa como algo tonto. Ambos eran titanes, hijos del titán Jápeto y de la oceánide Clímene.

D.G.Rossetti,   Pandora 1828-1882. 1878.  Liverpool, Museum.

En un tiempo en que los dioses existían, pero no los seres mortales, después de que modelaran todas las especies, Zeus les encargó a los dos hermanos titanes, que proporcionaran diferentes cualidades a cada uno de los seres vivos que habían creado. Puestos a la tarea dotaban a unos de gran rapidez, a otros les daban armas, a otros alas, a otros les dieron la fuerza y después les suministró alimentos a cada una de las especies para que sobrevivieran. Pero Epimeteo gastó sin darse cuenta todas las facultades y dejó a la especie humana desprotegida, sin abrigo, sin calzado e inerte. Prometeo al no encontrar otra manera de salvar a los hombres decide robarle la sabiduría de las artes a Atenea y el fuego a Hefestos ofreciéndoselo como regalo a los seres humanos que desde entonces son los únicos seres vivos que dominan el fuego y la sabiduría.

Para vengarse de esta gran ofensa, Zeus mandó a Hefestos crear una mujer de arcilla llamada Pandora, a la que dio la vida y envió por medio de Hermes a la casa de Epimeteo llevando una jarra (que algunos han llamado caja) que contenía todas las desgracias (plagas, dolor, pobreza, crímenes, hambre, etc..) con la que Zeus quería castigar a la humanidad.

Aunque Prometeo advirtió a su hermano de no aceptar ningún regalo de los Dioses, y Epimeteo lo rechazó una vez, acabó aceptando a Pandora que abrió la jarra de las desgracias dejando salir todos los males. Así castigó Zeus a la humanidad por el robo del fuego y las artes de Prometeo. Sólo quedó dentro de la jarra la esperanza, por esa razón se dice que la esperanza es lo único que le queda a un hombre que lo ha perdido todo.

Prometeo fue castigado además encadenándole en las montañas del Cáucaso, pero esa historia la dejaremos para otra vez.  Al final Epimeteo, unido a Pandora, tuvo una hija, Pirra la roja, que unida a Deucalión (hijo de Prometeo) fueron los padres del género humano tras el gran diluvio. Ya sé que es un poco lioso esto de la mitología y no crean que el traer aquí a Pirra la roja tiene ninguna intención política oculta en relación con la situación actual en España, aunque la conducta de algunos políticos con su “pensamiento tardío” y sus ganas de abrir la caja de Pandora nos lo pueda recordar. En realidad, en el contexto del diálogo de Platón, Epimeteo, el ser en el que los pensamientos siguen a la producción, representa la naturaleza en el sentido del materialismo, de acuerdo con que el pensamiento viene después que los cuerpos sin pensamientos y sus movimientos irreflexivos.

Encontramos en el madrileño museo del Prado dos pequeñas esculturas en madera atribuidas al Greco y datadas en la primera década del siglo XVII, que posteriormente han sido identificadas como Epimeteo y Pandora y se dieron a conocer en 1945 por su entonces propietario y descubridor, el conde de las Infantas. El diálogo que percibimos en esta pareja, invención de Hesíodo en el siglo VIII a. C., parece anteceder a la apertura de la caja en la que se contenían los males que asolarían a la humanidad por acceder ésta al secreto del fuego. Aunque la caja suele aparecer en las manos de Pandora, en esta versión es Epimeteo, el hermano irreflexivo de Prometeo, quien la sostiene. Las dos figuras siguen modelos de la escultura clásica, presente también en la obra de Durero. Desconocemos las circunstancias en que fueron creadas, pudieron ser un encargo concreto o ser una creación para uso del propio artista, sirviendo tanto para su uso en el taller, como modelos para composiciones pictóricas, o para el ornato privado de su casa. En cualquier caso, representan un unicum en la producción del Greco.

 

Pero dejemos a Pandora de momento y vayamos a hablar de otra mujer para no perder la costumbre. Julia Margaret Cameron fue una fotógrafa inglesa  del siglo XIX que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista. Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf. En 1868 expone en la “Galería Alemana de Londres” y Charles Darwin la contrata para que realice sus retratos.

Lo más singular es la forma de ver la fotografía de Cameron. La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. En una carta dirigida a un amigo, Cameron le explicó su intención de alinear la fotografía con el arte, escribió: “mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal”. Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión, pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.

Su personalidad es una mezcla de excentricidad, genio, instinto e inspiración. Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior.

La retrospectiva, la belleza rota, que la fundación Mapfre nos trae en este mes de la mujer sobre la fotógrafa inglesa Julia Cameron en el bicentenario de su nacimiento merece la pena visitarse. Poco valorada en su época hoy es reconocida como una artista con coraje que se mostró distante respecto de los cánones y representó la imperfección como expresión artística.

Tras pasar por el Victoria and Albert Museum de Londres llega a Madrid esta muestra fotográfica en la que se podrá disfrutar de 120 imágenes en las que la artista captura el alma de los retratados, sobre todo mujeres y niñas, mostrando una belleza romántica y enfermiza, melancólicas, vulnerables, a la par que desafiantes. Cameron cambió la forma de mirar a las mujeres y a las niñas al retratarlas desaliñadas, de andar por casa, acercándose a la naturaleza femenina y alejándose de la rigidez victoriana. Además de los retratos se podrán ver una serie de fotografías de la época que servirán de contexto.

Su obra ha sido objeto de la discriminación machista de la época, en la que sólo se hablaba de los fallos técnicos que aparecen en sus trabajos. Sin embargo, hoy se valoran como experimentos y elementos propios de su estilo.

Criticar siempre se puede, generalizar con el género va a ser cada día más difícil, pues como dijo el florista de París, las siemprevivas no se compran, se regalan, aunque a veces se olviden.

Sahara, la hamada inundada

derechos cardinales

En el Sahara las melfas ya no se utilizan para protegerse del sol. El siroco no arrastra el polvo de la arena y el desierto se ha vuelto húmedo y más hostil que nunca. Hoy, los refugiados saharauis vuelven a encontrarse con el mismo trozo de tierra inhóspito al que llegaron hace 40 años, donde fueron exiliados por Marruecos tras ocupar su país mediante la conocida Marcha Verde y ante la pasividad de España en una zona, donde hoy por hoy aún siguen siendo la potencia administradora ante la ONU.

Las lluvias ahogan los campamentos de refugiados saharauis en Argelia./ Foto: RASD TV

El 17 de octubre, en los cinco campamentos refugiados saharauis al suroeste de Argelia, en Tinfuf, amaneció con lluvias. Unas lluvias que levantaron el ánimo del campamento. Un respiro a la sequedad y a la erosión del sol que quema, pero no abrasa la dignidad de un…

Ver la entrada original 714 palabras más