el rapto de Proserpina

Proserpina es una diosa de la mitología romana cuyo equivalente en Grecia sería Perséfone. Es hija de Júpiter y Ceres (Zeus y Deméter en la mitología griega), y cuyo mito de su rapto por Plutón (Hades en Grecia) dios del Infierno, es en realidad una metáfora del ciclo de la primavera.

Es el deseo de encontrarle pareja a Plutón, que vivía solo en el reino de la oscuridad y el infierno, lo que explica la intervención de Venus la diosa del amor, que manda a Cupido a que lance sus flechas sobre aquél. Y es por ello que estando Proserpina en Sicilia bañándose feliz con otras ninfas, Plutón la vio y se enamoró de ella, surgiendo de pronto por la boca del volcán Etna y raptando a Proserpina para desposarla y convertirla así en la reina del infierno. Proserpina forcejeó con ahínco por liberarse de Plutón, gritó para que su madre fuera en su ayuda, pero todo fue inútil pues rápidamente Plutón la arrastró hasta las entrañas de la tierra donde vivía.

Al desaparecer Propserpina, su madre Ceres empezó a buscarla desconsolada por todo el orbe sin encontrar ni rastro de ella. Con el paso del tiempo su tristeza y enojo fue en aumento, y como ella era precisamente la diosa de la tierra y de su capacidad de germinar, según se iba enfureciendo iba agostando los campos que pisaba, convirtiendo en desierto los lugares por los que pasaba. Así las cosas, la tierra podía convertirse en un erial, por lo que Júpiter decidió tomar cartas en el asunto y mandó a Mercurio, el mensajero de los dioses, a convencer a Plutón de que liberara a Proserpina. Pero Plutón no estaba dispuesto a desprenderse de su esposa tan fácilmente y por ello obligó a Proserpina a comer seis semillas de granada, la fruta que simboliza la fidelidad. Con ello consiguió que Proserpina repartiera su vida entre su madre y su esposo, de tal manera que seis meses estuviera con Plutón y seis meses con su madre Ceres.

Este es el origen de la primavera, pues cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde su fronda como si se contagiara de la tristeza de Ceres.

Aunque la metáfora del rapto de Proserpina tiene también otras lecturas: simboliza el enfrentamiento entre contrarios, en una imagen universal de la dialéctica, representada en este caso por los binomios fuerza-fragilidad, hombre-mujer, tosquedad-delicadeza, brutalidad-sensibilidad, fealdad-belleza, lascivia-inocencia, o violencia-sumisión, que simbolizan respectivamente Plutón y Propserpina. Incluso podría ampliarse la interpretación a cuestiones de mayor trascendencia, como la dualidad oscuridad-luz, violación-angustia, vicio y virtud, o los conceptos de muerte y vida, que también ambos encarnan. En este sentido, el relato es también una simbolización del mito del eterno retorno, que tiene en la representación del ciclo muerte-resurrección una manifestación universal, recurrente en tantas religiones y creencias. Todo menos inclusivo como habrán notado.

Un mito tan bonito como este ha tenido una amplia representación en la Historia del arte. En el campo de la escultura es especialmente conocida la versión de Gian Lorenzo Bernini, probablemente la obra que mejor reproduce esa dualidad de contarios que acabamos de comentar.  En pintura hay más variedad de versiones, así el Rapto de Proserpina de Rembrandt, el de Rubens, el de Durero en forma de grabado, el de Luca Giordano, o la Proserpina de Rossetti, entre otras muchas. Hace tres años les traje estas dos imagenes en la entrada La Granada, comentaba entonces la primavera árabe, no sé si llegaremos dentro de otros tres a comentar la primavera española.

Bourdalou

Tengo un buen amigo que es amante, entre otras cosas, de las palabras raras, no especialmente de neologismos que nos llueven del inglés si no de las palabras en desuso, desconocidas para la mayoría, de las que a duras penas encontramos una o ninguna en la lectura a lo largo de los años.

La analepsis o escena retrospectiva —conocida también con la voz inglesa flashback— es una técnica, utilizada tanto en el cine y la televisión como en la literatura, que altera la secuencia cronológica de la historia, conectando momentos distintos y trasladando la acción al pasado. ​Es raro hoy en día leer cualquier novela que no emplee este recurso con mayor o menor frecuencia y fortuna.

Emparentada con la anterior, la narración enmarcada o rahmenerzählung, es una técnica literaria que consiste en la inclusión de uno o varios relatos dentro de una narración principal, para hacerla se marca un cuadrado en la hoja, o se cambia el tipo de letra o se emplean otros métodos tipográficos. Un prólogo y un epílogo establecen el cuerpo principal de la obra; quién no recuerda Las Mil y una noche o Los Cuentos de Canterbury o La Princesa prometida. Su empleo en el cine data de principios del siglo XX, un ejemplo de esta incursión de la técnica literaria en la gran pantalla lo encontramos  en el año 1920 en El gabinete del doctor Caligari, de Robert Wiene que es un filme de terror, joya del cine mudo y película clave del expresionismo alemán en el que la técnica innovadora de la rahmenerzählung, se emplea con gran éxito para narrar la historia de un loco hipnotista que usa a un sonámbulo para cometer asesinatos.

El filme tiene un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas, estructuras y ambientes que se inclinan y giran en ángulos inusuales, y sombras y rayas de luz pintadas directamente en los sets. Considerada un clásico, ayudó a llamar la atención mundial hacia el mérito artístico del cine alemán y tuvo una gran influencia en filmes estadounidenses, particularmente en los géneros de terror y cine negro, introduciendo técnicas como el giro argumental y el narrador no fiable al lenguaje de la narrativa cinematográfica. En una entrada de finales del año pasado les comentaba la exposición de Max Beckmann en el museo Thyssen de Madrid, y les hablaba de estos rasgos evidentemente expresionistas: cómo la perspectiva se le deforma, cómo introduce temáticas de gran violencia y crueldad y cómo, al fin, sus personajes se convierten en figuras pálidas y repulsivas que se retuercen y distorsionan en espacios comprimidos, reflejo sin duda de la vida en las trincheras, porque esa corriente del expresionismo alemán de entreguerras trascendía del mundo de la pintura e impregnaba a la sociedad en general.

 https://youtu.be/5–GN5EjNao

Y también, años más tarde, la música moderna que a veces tratamos de intrascendente, busca sus orígenes en otras manifestaciones culturales de más enjundia como ese grupo rock español de la época de la movida madrileña, Gabinete Caligari, el de Camino a Soria;  este grupo nos recuerda no sólo con el nombre si no con alguna de las letras de sus canciones –sombras negras– el filme alemán; hay otro grupo también de la misma época Objetivo Birmania que alude a la película de Errol Flint del mismo nombre, con importantes connotaciones políticas, del que quedan en nuestra memoria poco más  que las Birmettes,  que, con sus voces y coreografía, encandilaban a los jóvenes de los ochenta, claro que esto les sonará a chino a muchos de los que lean estas líneas,  son sólo buenos recuerdos para los que tenemos más pasado que futuro.

 

https://youtu.be/MCW7eS-1DFw

 

Pero me estoy yendo por los cerros de Úbeda porque la palabreja que quería comentarles aquí y que sin duda mi viejo amigo, el filólogo frustrado, conoce,  es la del Bourdalou, o Bourdalue…………

 

El rey Fernando VII, el deseado para muchos o el indeseable para otros, fue el artífice de la creación del Museo de Pintura y Escultura, nombre que se dio en 1819 al actual Museo del Prado de Madrid que este año conmemora su segundo centenario, aunque, curiosamente, no asistió a su inauguración, que no nos quepa la menor duda de que la verdadera impulsora fue su mujer -siempre hay una-, María Isabel de Braganza. Como todos ustedes sabrán, antiguamente la pintura era cosa de ricos, los reyes, la aristocracia, la iglesia, los poderosos burgueses centroeuropeos… pero llega un momento en que el arte se democratiza, se abre al pueblo, y esto ocurre en Europa a partir de la Revolución Francesa siendo la familia de Napoleón Bonaparte los principales promotores de la creación de museos populares en algunos de los diferentes Estados. No me voy a extender en este fenómeno, que otros lo harán con minuciosidad, sólo reseñar que la Colección Real de pintura de la monarquía española, pasa, siguiendo diversas vicisitudes, al Museo del Prado, con una doble finalidad: democratizar el arte y contribuir a la educación del pueblo. El Rey, como fundador mantiene en la institución algunos privilegios como la constitución de una sala reservada y de un gabinete privado, ambos espacios estaban vedados al público en general.

En la sala reservada, se exponían las pinturas de desnudos -que sería motivo de una amplio análisis en el que no voy a entrar ahora- y el gabinete privado no era si no un espacio íntimo entre las obras de arte que se llamó entonces el Gabinete de Descanso de sus Majestades, situado en la actual sala 39 del museo en el edificio Villanueva,  al que se accedía directamente por la puerta de Murillo, frente al Botánico, y que era una especie de cuarto de estar, donde no faltaba un detalle: desde una larga colección de retratos familiares -la saga de los Borbones- a una pequeña habitación anexa para la higiene personal.

Aquí se encuentra la joya de la corona: el retrete del monarca con privilegiadas vistas al Jardín Botánico. Un excusado a la inglesa -con un cuerpo central y dos laterales- realizado con maderas nobles por un reputado ebanista, forrado en terciopelo amarillo y ubicado en un cuartito decorado con coquetos frescos al temple. El majestuoso retrete, que es uno de los pocos muebles que se conservan en El Museo del Prado del siglo XIX, ha recuperado su lugar original en el Gabinete del rey junto a dos orinales de hombre y mujer y este último, el de mujer es el que se conoce como Bourdalou o pot de chambre y procede de la Real Fábrica de porcelana de la Moncloa.

Ya sé que la palabra bourdalou es un nombre común y debería ir en minúsculas, pero tengan ustedes en cuenta de quienes o quienas lo utilizaban……

 

Y todo esto para volver a la narración enmarcada, si efectivamente es una locura de un gabinete a otro y vuelta a empezar, pero al final siempre hay una recompensa porque les traigo hoy una recomendación de lectura que les va a gustar y a entretener, se trata de la obra recientemente publicada, El sombrero de Vermeer, de Timothy Brook. Se trata de un ejemplo muy singular de esa técnica literaria comentada al principio de la narración enmarcada, en la que las cinco o seis historias que comprende, entran al conjunto a través de unas ventanas muy especiales, las que constituyen otras tantas pinturas de Vermeer en las que, tras un estudio pormenorizado, la observación de determinados detalles le da pie al narrador a entrar en cada uno de los episodios que, en su conjunto, nos presenta el autor como los albores del mundo globalizado en el siglo XVII.  Es la historia de las expediciones para penetrar en nuevos territorios y el comercio de pieles, tabaco, porcelana y otros objetos que pronto causaron furor en el mundo entero. También es la historia del choque de civilizaciones entre Europa y Asia, el papel de los jesuitas en China y Japón, los naufragios, los abordajes de piratas, las guerras de conquista, el sometimiento de los pueblos nativos. Es, en muchas de sus páginas, un auténtico libro de aventuras. Una apasionante historia de la economía y la cultura de la época. Les puedo asegurar que resulta muy entretenido, además de la afición que puedan tener ustedes por los cuadros de Vermeer.

Los ojos del GUADIANA y MONTSERRAT

Andaba yo este verano distraído con mis cuitas y mis lecturas, cuando recibo un extraño mensaje que me hace tirar por tierra la flema que hasta los más aguerridos adoptamos en la edad provecta y trastoco los planes, me olvido del swing, abandono los libros e incluso paso el aspirador que tenía castigado en un rincón de la terraza, sin pararme a pensar que, como otras veces, el Guadiana viene y se va caprichosamente en su largo recorrido.

“Cómo me gustaría organizar un buen plan contigo, una cena agradable, una conversación distendida, y después compartir en completo silencio la visión de las estrellas,  ….. qué pena que no seas mujer”.

Si, yo también me quedé sorprendido con el mensaje y aún continuo así; qué debería responder y cuándo, es lo más sensato que pude pensar en medio de la zozobra y claro mi contestación fue tan rápida como vana y su réplica sencilla:

“Gracias. No”

Ya no hubo dúplica, si el imprevisto mensaje me recordó al Guadiana, el No fue como el Montserrat; a pesar de todo, inasequible al desaliento, me decidí a desempolvar mi recetario de Cocina con nombre de mujer, del que ya les he hablado en otras ocasiones y me dispuse a preparar una cena especial; las posibilidades de compartirla eran una entre mil, bueno una o ninguna, pero así fue la cosa.

                                                                 …………………………

 BACALAO CON COCO

Ingredientes: Medio quilo de bacalao, Un coco, El zumo de medio limón, Una hoja de menta muy picada, 25 gramos de mantequilla, Una cebolla muy picada, Una cucharadita de perejil picado, Un puñadito de nueces, Un diente de ajo, Sal y pimienta, Una taza de agua.

 

                                                                   ……………………….

Así como Vinnie, la hermana de Emily Dickinson, encontró su poesía oculta en una caja, yo la busqué – y la encontré, pues Jasón puede ser un fraude, pero el vellocino existe – en aquella mujer que, sin saberlo, citaba a la autora de Poemas a la muerte tanto como admiraba el Astrónomo de Walt Whitman.  Fue ella, Anna, la que me recordó que tenemos a los ángeles por vecinos y a mí, en justa correspondencia, me tocó construir – aquí abajo – un cielo para que ella pudiese encontrarlo.

 Wo has not found the Heaven -below-

Will fail of it above

For angels rent the house next ours,

Wherever we remove.

Estoy convencido de que en el cielo conviven el helado Norte con los mares del Sur, tan lejanos ambos de mi singladura que sólo coinciden en este plato de bacalao con coco que permite que pasen, gracias a la magia todavía sorprendente de la cocina, de la contradicción a la complementariedad.  Un poco como Anna y yo, unas veces tan lejos que convierto los poemas en una súplica:

 To own a An of my own

Is of itself a bliss –

Whatever realm I forfeit, Lord,

Continue me in this!

 

En otros momentos tan cerca que la poesía se convierte en una advertencia:

 

Nor try the tie the butterfly,

Nor climb the bars of ecstasy,

In insecurity to lie

Is joy’s insuring quality.

                                                                  ………….………….

 

Se pone el bacalao en remojo, cortado en trozos pequeños, 24 horas antes de hacerlo, cambiándole el agua varias veces. Se saca el caldo del coco, se pone en un recipiente, se ralla la pulpa y se pone a cocer con agua y el caldo del coco. Se deja cocer durante cinco minutos y se saca y se pasa por un colador dejando esta leche aparte.

En una cacerola de barro se pone la mantequilla, el ajo muy picado y la cebolla también muy picada. Cuando empiece a dorarse se le pone el bacalao, escurrido y sin espinas. Se rehoga y se añade la leche de coco, el zumo de limón, la menta, el perejil, la sal y pimienta Se deja cocer a fuego lento, moviéndolo varias veces, durante 15 minutos.

Si se seca demasiado se le puede añadir un poco de agua caliente, durante la cocción. Se saca en el mismo recipiente a la mesa, adornando con el perejil y las nueces.

                                                                 ……………………

No, no me pregunten ni yo les preguntaré a ustedes; si quieren saber más de estrellas, perseidas y deseos pueden visitar la entrada del blog Los drones de San Lorenzo que escribí hace cuatro años; si lo que les interesa es la receta de cocina, lamento no poder revelar mi pequeño secreto para darle el punto de sabor; si lo que quieren es saber si por fin ella vino a la cena les remito al fresco pintado por Leonardo en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie, en Milán, La última cena, allí encontrarán muchas de las claves que les quitan a ustedes el sueño.

Las Marcelinas

No podía dejar pasar la ocasión de lanzar un dardo envenenado ante el espectáculo al que estamos asistiendo en el teatro de la política actual, donde lo más importante, al parecer, es el reparto de cargos y prebendas. Recuerdo que, durante el curso de Estado Mayor, hace ya más de treinta años, uno de los alumnos invitados, un comandante perteneciente a un país suramericano, pidió permiso para ausentarse tres días y volar al otro lado del atlántico, cuando apenas quedaba una semana de clase; la explicación que dio fue que, en esos días, en el Cuerpo Armado al que pertenecía se hacía “el reparto”. No hubo más preguntas, se fue y volvió -contento- para la clausura del curso, pero no nos dijo lo que le había tocado en el referido “reparto”.

Bueno pues en esta idea estaba cuando una lectura de la obra de Miguel Delibes, Señora de rojo sobre fondo gris, me dio la clave para este comentario al leer una anécdota sucedida en la cárcel de Carabanchel donde se encontraban los implicados del tristemente famoso proceso 1001, y fue que Marcelino Camacho, el líder sindical que se encontraba entre los presos de aquella cárcel, repartió entre algunos de sus compañeros unos jerséis bastos, de mezclilla, con cremallera, que le habían hecho llegar unos sindicalistas franceses y que se convirtieron en todo un símbolo; el líder sindical los usó como uniforme a lo largo de su extensa vida pública y por esa razón se les conoció con el nombre de “las marcelinas”.

Desde cualquier posición ideológica, lo que no se puede negar es la coherencia de Marcelino Camacho y no sólo porque continuara viviendo es su vieja casa sin ascensor del barrio de Carabanchel hasta que su edad no le permitió subir más escaleras, si no también y sobre todo por la dignidad en renunciar a su seguro y cómodo sillón de Diputado que había ocupado durante tres legislaturas ante una decisión del Parlamento, apoyada por su propio partido, que considerada injusta para los intereses de los trabajadores. Todo lo relatado hasta ahora está claro, pero muchos de ustedes se preguntarán que tiene que ver con la imagen inicial de esta entrada en la que aparecen tres mujeres en una especie de danza mágica……hay que seguir leyendo un poco más.

Los cuellos de “las marcelinas” recuerdan, salvando las distancias, la importancia y el simbolismo que ha tenido siempre el cuello en la moda y en los atributos de clase. A finales del siglo XVI se popularizó entre las clases pudientes el uso de cuellos de encaje.  Esta moda surgió en Italia, más concretamente en la Corte de los Médicis, desde donde se exportó al resto de Europa. A principios del siglo XVII el tamaño y la forma de los cuellos se exageraron de tal manera que, en ocasiones, llegaron a medir diámetros asombrosos.  Damas y caballeros de la alta nobleza lucían magníficas gorgueras (en España también se llamaron “lechugillas”), cuyo precio era alto pudiendo, en ocasiones, alcanzar cifras astronómicas. El encaje, no solamente se fabricaba en España, sino que se importaba, siendo los flamencos los más apreciados.  Felipe IV, que era muy sencillo en su atavío, decidió poner fin a tales dispendios y dictó una pragmática por la cual el uso de cuellos de encaje quedaba abolido. Como había que buscar una alternativa se escogió la valona: sencilla, plana y que dejaba el cuello al descubierto y una variante de la misma, que lo tapaba, llamada golilla que se extendió a todas las clases sociales. Con Felipe V y sus modas francesas la golilla fue desterrada en favor de la corbata.

 Y todo esto viene a cuento por la exposición temporal de pintura que, con el título de Velázquez, Rembrandt, Vermeer. MIRADAS AFINES, se puede visitar en el Museo del Prado de Madrid hasta finales del mes de septiembre.  La exposición, compuesta por 72 obras de diferentes procedencias propone una reflexión sobre las tradiciones pictóricas de España y los Países Bajos.

 

Si bien la historiografía artística ha considerado a estas tradiciones como esencialmente divergentes, la exposición confronta los mitos históricos y las realidades artísticas de ambos ámbitos para reflexionar sobre los numerosos rasgos que las unen y establecer los puntos de comparación. Se ha tardado muchos años en superar la desmedida influencia que la sensibilidad y la ideología nacionalistas de los siglos XIX y XX han tenido en nuestra forma de entender el arte y superar las individualidades para concentrarse en los rasgos comunes que comparten los artistas europeos.

El caso de la pintura española y holandesa del siglo XVII es sintomático. Separadas por una guerra de ochenta años, su arte se ha interpretado tradicionalmente como contrapuesto. Sin embargo, el legado de la pintura flamenca e italiana, cuya influencia define toda la pintura europea, se interpretó de forma similar tanto en España como en Holanda. En ambos países se desarrolló en el siglo XVII una estética alejada del idealismo e interesada por la apariencia real de las cosas y la forma de representarla. Los artistas cuyas obras se muestran en esta exposición no expresan en ellas la esencia de sus naciones, sino que dan voz a ideas y planteamientos que compartían con una comunidad supranacional de creadores.

Sin ánimo de extenderme demasiado les remito en primer lugar al ámbito de la moda y la pintura. Desde finales del siglo XVI hasta finales del XVII las élites de España y los Países Bajos vistieron de forma similar, más incluso que otros pueblos europeos. La preferencia por el color negro era una herencia del gusto de la prestigiosa casa ducal de Borgoña, que gobernaría tanto España como los antiguos Países Bajos en las personas de Felipe el Hermoso, Carlos V y Felipe II.

Posiblemente por ello, esa moda perduró en España y Holanda hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XVII. Sobre la realidad de la vestimenta utilizada por los contemporáneos los pintores crearon las ficciones que constituyen sus retratos. No solo la ropa, sino también las posiciones de las figuras, sus gestos y los complementos que las acompañan, son similares en los retratos holandeses y españoles. Ello se debe a que la tipología del retrato en ambos países se desarrolló a partir de modelos comunes creados en los siglos XV y XVI en Italia y en lo que entonces se conocía como Flandes.

La exposición es muy interesante tanto por las obras nuevas que se han incorporado, entre otras los cinco cuadros de Rembrandt -pintor que tanto se echa en falta en el Museo del Prado- como por las ideas de la comparación presentada por los comisarios; a mi me ha llamado mucho la atención el matrimonio de estos dos cuadros de pequeño formato que se dan la mano, aislados de los demás, en una de las paredes de la sala. Vista del jardín de la Villa Medici en Roma, de Velázquez, y Vista de casas en Delft, de Vermeer.

Me imagino que muchos habrán identificado perfectamente la imagen inicial de esta entrada, se trata de las ondinas Woglinda, Wellgunda y Flosshilda que custodian el oro situado en el fondo del río Rin. El enano Alberich, (un nibelungo) lo roba y fabrica con él un anillo mágico. El oro del Rin (Das Rheingold), es una ópera en un acto con música y libreto en alemán de Richard Wagner, la primera de las cuatro óperas que componen el ciclo de El anillo del nibelungo. Se estrenó en Múnich hace 150 años. Hoy la política identifica a las tres ondinas que intentan en vano custodiar los valores intrínsecos de la nación y a los dioses, sus mujeres y sus camarillas que sólo buscan el poder personal. Sin acritud.

SAPOS y PRINCESAS

A más de uno le habrá extrañado el título de esta entrada, además estamos en la época del año en que terminan los colegios y es cuando los padres y a veces los abuelos se rompen la cabeza buscando entretenimiento para los más pequeños

LA NEVERA DE LA PASIÓN

No puedo seguir esperando a que llegue la lluvia; en todo este tiempo pasado sin escribir una nueva entrada, me repetía una y otra vez, “cuando empiece a llover….cuando empiece a llover”, en realidad estaba  procrastinando como dice mi amigo, o sea que he estado un poco perezoso y eso que tenía un tema dándome vueltas en la cabeza con el que me había comprometido delante de unos compañeros de aventuras; ya os dije en otro sitio que todo surgió en un almuerzo después de un torneo de padel; en la sobremesa empezaron las bromas y las discusiones fingidas de siempre sobre los lances del juego que acabaron acorralando a uno de los que más levantaban la voz, acusándole de usar la táctica del “congelador”, ya saben en el juego de parejas se procura tirar la bola siempre a la posición del más débil, dejando al “bueno” en la nevera con los brazos cruzados; en ese punto de la discusión se me ocurrió la feliz idea de decir que lo de la nevera o el congelador tenía un contenido sexual muy claro y ahí se armó la de San Quintín….les prometí una explicación.

la nevera o el congelador en el juego del Padel

El tema viene de antiguo,

Ausfahrt

En realidad, es una anécdota muy sencilla que nos hacía gracia a los que la vivimos, pero a lo mejor ustedes no se la encuentran.

Egon Schiele et Jean-Michel Basquiat

el nuevo lenguaje de ambos artistas y su superproducción les acercan

Lire dit-elle

J’y emmènerai deux classes de troisième le lundi 05 novembre. Cette visite sera suivie par l’exposition klimt au Palais des lumières.

A l’occasion du centenaire de la mort d’Egon Schiele, la Fondation Louis Vuitton a choisi de présenter l’artiste autrichien au côté de Jean-Michel Basquiat, dans deux expositions voisines. Au-delà de contextes historiques et artistiques qui peuvent sembler éloignés, un certain nombre de points rapprochent les deux artistes maudits.

Egon Schiele (1890-1918), artiste scandaleux du début du XXe siècle, Jean-Michel Basquiat (1960-1988), enfant de la fin du siècle, artiste new-yorkais et noir qui a bouleversé le marché de l’art et connu une ascension vertigineuse pour devenir l’artiste contemporain le plus coté du monde. Qu’est-ce qui peut justifier de les rapprocher et de les exposer côte à côte, comme a décidé de le faire la Fondation Louis Vuitton ?

Jean-Michel Basquiat, “In Italian”, 1983, Courtesy The Brant Foundation, Greenwich, Connecticut…

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Uvas y queso saben a beso

Se lo oía repetir a mi madre cuando era niño, lo oía mucho sobre todo por estas fechas de septiembre que era cuando tomábamos uvas de postre, a parte claro está de las de nochevieja, sin embargo no entendía bien lo que quería decir, en mi casa se decían muchos refranes y se daba por supuesto lo que significaban pero yo me quedaba in albis y no me atrevía a preguntar, tampoco es que tomara mucho queso como para probar la mezcla, bueno de los quesos sólo me gustaba alguno o menos quizás, cuando había uvas a lo mejor no había queso, familia muy numerosa ya se sabe, la despensa……

La mujer del general

El 23 de octubre de 1942, cuando la ilusión egipcia del mariscal Rommel estaba a punto de desmoronarse definitivamente con ocasión de la ofensiva británica en El Alamein, el extremo sur del despliegue del Eje, había sido confiado, a las tropas italianas. En concreto, al X Cuerpo de Ejército, compuesto a la sazón por dos divisiones con gran solera en el frente desértico: la 27.ª División de Infantería, “Brescia”, al norte, y la 17.ª División de Infantería “Pavía”, al sur. En el centro se desplegaba una recién llegada, la 185.ª División, de Paracaidistas, “Folgore”, enviada a África tras suspenderse el asalto a Malta. Pero no adelantemos acontecimientos, ya llegaremos a los paracaidistas, volvamos al título de la entrada.

paracaidistas italianos de la 185 División Folgore en Libia, IIGM 1942

Muchos de los lectores que se detengan en estas líneas, sobre todo los de más edad, recordarán las clases de historia sagrada que tuvimos en el colegio durante varios años de la etapa escolar; no estoy seguro de cómo se distribuían los contenidos de esta asignatura entre los diferentes cursos,

Half & Half

Seguro que muchos de ustedes recuerdan aquel antiguo tabaco de pipa que olía tan bien, pertenece a una época en que no estaban prohibidas tantas cosas y se vivía con más calma para disfrutar de esa clase de placeres efímeros, y no como ahora que se nos llena la boca con la cantidad de libertades de las que disfrutamos y el poco tiempo que tenemos para ello, atrapados como estamos en las redes de la tecnología y el consumo obligatorio.

El olor de este tabaco ha venido a mi memoria y  no es que vaya a  empezar a fumar en pipa a mis años, no soy lobo -de mar- y nací y me crié tierra adentro, lejos de la costa; el título de esta entrada me lo dio un programa de radio de hace unos días en el que entrevistaban a un conocido médico y le preguntaban por las enfermedades que sufren las personas mayores; el doctor respondió  en forma telegráfica haciendo una predicción bastante catastrofista: “half and half, dijo, a mitad de este siglo, la mitad de la población española mayor de 75 años padecerá alzhéimer u otra patología similar”. Después de la tempestad vino la calma, estuvo explicando que el vaticinio se hacía en función de unas estadísticas actuales pero que había que tener en cuenta por un lado los avances de la investigación y por otro la concienciación de la población que, cada vez más, se preocupa por sus hábitos de vida en esta tercera edad. A continuación, pasó a enumerar una serie de medidas de estar por casa, que nos iban a ayudar, en caso de practicarlas, a permanecer en el otro cincuenta por ciento. No me voy a extender en las explicaciones que dio en cada una de ellas, sólo voy a enumerarlas pues un amigo del golf al que le conté  esta noticia me pidió por favor que le mandara por escrito las pautas, y aquí estoy escurriendo mi memoria para repetirlas.

Amarillo de Nápoles

Si claro, también es un pigmento, como el azul ultramar del post anterior pero no voy a hablar tampoco hoy de los pigmentos, y eso que éste es muy antiguo pues ya lo usaban en Tebas desde mil años antes de la era cristiana. Cuando mencionamos el color amarillo nos vienen a la memoria muchos recuerdos como el del Submarino de los Beatles que tarareábamos en nuestra adolescencia o el del Tractor que cantábamos ya más maduros, claro que los aficionados al teatro lo que sacan siempre a relucir es la historia de la mala suerte que supone salir a escena con ropa de ese color, que por otra parte debe de ser una leyenda urbana, como se dice ahora, pues Molière en realidad no murió sobre las tablas si no en la cama, dicen las malas lenguas que igual que Jorge Negrete pues también era un buen aficionado al noble arte del feliz ayuntamiento.

Azul ultramar

Llevo una temporada atascado por varios motivos que no vienen al caso y desde que fui a ver una exposición de fotografía de Gabriel Cualladó esta pasada Semana Santa en la fundación Canal de Isabel II, le he estado dando vueltas a lo del blanco y negro. La visita me resultó muy interesante no sólo por las fotografías expuestas si no también por la sala – el antiguo depósito elevado de agua de Santa Engracia-, por el momento y sobre todo por la compañía y la complicidad con mi hija pequeña que es una gran aficionada y una magnífica conversadora.

 

Fundación Canal Isabel II , sala I

La muestra

La Porciúncula

No, no se trata de una ensalada, los que sabéis lenguas -italiano concretamente-, conocéis su significado: pequeña porción de tierra, pero al hablar de la Porciúncula, en concreto, nos referimos a una pequeña iglesia incluida dentro de la Basílica de la localidad de Santa Maria degli Angeli (municipio de Asís), ubicada aproximadamente a 4 km de la capital municipal, en Umbría, Italia. Es el lugar donde comenzó el movimiento franciscano. En julio de 1216, Francisco pidió en Perusa al Papa Honorio III que todo el que, contrito y confesado, entrara en la iglesita de la Porciúncula el 2 de agosto, ganara gratuitamente una indulgencia plenaria, como la ganaban quienes se enrolaban en las Cruzadas, y otros que sostenían con sus ofrendas las iniciativas de la Iglesia. De ahí el nombre de Indulgencia de la Porciúncula, Perdón de Asís, Indulgencia o Perdón de las rosas.

 

 

No es lugar éste, ni momento ahora, para hablar del movimiento franciscano,

Amigos

Dice una leyenda árabe que dos amigos viajaban por el desierto y, en un determinado punto del viaje discutieron, y uno le dio una bofetada al otro.  El otro ofendido, sin nada que decir, escribió en la arena: “Hoy mi mejor amigo me pegó una bofetada en el rostro”.

Siguieron adelante, y llegaron a un oasis donde resolvieron bañarse.

Trinity

Cada día me gustan más los nombres cortos para las entradas, es como un juego infantil para inducir al lector a seguir leyendo y no darle el premio hasta el último renglón; en el caso que hoy nos ocupa es para referirme a Michaelmas, Hilary y Trinity, que sólo aquellos de ustedes que hayan estudiado en Oxford conocerán, bueno también lo conocerán algunos que aunque no hayan estudiado allí han tenido alguna relación con el tema, y, desde hace poco,  lo conocerán también los que hayan leído la novela BERTA ISLA de Javier Marías que lo menciona al principio al relatar la vida de estudiante de uno de los protagonistas en aquella prestigiosa universidad británica.

En efecto, en Oxford, el año escolar se divide en tres períodos o falsos trimestres, el de otoño (Michaelmas) en torno a la festividad del arcángel San Miguel, 29 de septiembre,  el de primavera (Hilary), con la denominación del santo de Poitiers, San Hilario, que se celebra el 14 de enero  y por último el de verano (Trinity), que toma su nombre de la festividad de la Santísima Trinidad, ocho semanas después de la Pascua.

La más enorme mole de piedra

…………………………pensaba acabar el año despidiéndome con una entrada que lo tapara y enterrara en el monte del olvido, pero mi amiga Bárbara Rosillo -cuyo blog de historia y arte les recomiendo- me ha liberado de la tarea y así puedo ponerme a hacer la carne asada para la cena de esta nochevieja. Nada más oportuno que la Enorme Mole de Piedra del monasterio del Escorial que el rey Felipe II construyó para tapar una de las bocas del infierno y yo aprovecho para enterrar el 2017………………………………..

Arte y demás historias por Bárbara Rosillo. Doctora en Historia del Arte.

          En 1840 el francés Teófilo Gautier hizo un viaje por España, fruto del cual escribió un interesantísimo libro en el que relató sus experiencias y sucedidos. Hoy traemos a colación el pasaje que dedica a su visita al monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Gautier va describiendo pormenorizadamente el inmenso edificio y la colección de obras de arte que custodia, aunque sus impresiones no son de todo positivas, a juzgar por algunas de sus reflexiones: “(…) juzgo a El Escorial como el monumento más abrumador y más melancólico que puedan soñar, para mortificación del prójimo, un fraile lúgubre y un tirano suspicaz.”

Sin más el extracto de Viaje por España dedicado a una de las maravillas de mundo.

          “El Escorial está colocado a siete u ocho leguas de Madrid, no lejos de Guadarrama, al pie de una cordillera. No…

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Pintura de pechos

Para la introducción de la entrada de hoy les presento en primer lugar el cuadro Dama descubriendo su seno, óleo de pequeño formato, datado en las postrimerías del siglo xvi, que se encuentra en el museo del Prado, atribuido a Tintoretto, hijo, cuyos retratos carecen de la concentración emocional de los de su padre, pero compensan esa carencia con una elegancia y un gusto por el color y el detalle especialmente apreciables en sus efigies femeninas.

dama descubriendo su seno de Jacopo Tintoretto

Esta obra siempre ha llamado la atención por su singularidad, por la pose de la modelo al ofrecer una imagen inusual del desnudo femenino.

A medida que pasa el tiempo…

Estamos acabando este mes de los muertos, de los santos y de los aniversarios y el que les traigo en esta entrada es uno más antiguo que el que ustedes están pensando; en estos días se cumplen 75 años del estreno de la película estadounidense Casablanca dirigida en 1942 por Michael Curtiz. Para los más jóvenes les recordaré que se trata de un drama romántico en la famosa ciudad marroquí bajo el control del gobierno de Vichy durante la II Guerra mundial. La película, con un reparto de lujo es un monumento, toda ella, al gran drama de la vida, el enfrentamiento entre la razón y el corazón, aquella discrimina y separa mientras que este acerca y une. Los personajes son conocidos de todos, prefiero recordarlos por sus nombres en la ficción, Ilse y Rick, los principales, Sam y el capitán detrás llevándoles la cola, los demás son prácticamente invisibles.

“As time goes by”

 

Parece que volvemos a hablar de África, de Marruecos;

Twist & shout & rock and roll

En realidad, no era este el título que le quería poner a la entrada de hoy, pero me aconsejaron que cambiara el que a mí se me había ocurrido –Sus Labores- porque la alusión al pasado reciente de las mujeres podía tener, para algunas, connotaciones machistas, fascistas y nacional-sindicalistas, que les impulsaran a borrar el post sin abrirlo y claro no están los tiempos como para perder lectoras que son el alimento del espíritu de un contador de cuentos.

Había caído en mis manos la imagen de un certificado de estudios,