Amarillo de Nápoles

lapiz amarillo

Si claro, también es un pigmento, como el azul ultramar del post anterior pero no voy a hablar tampoco hoy de los pigmentos, y eso que éste es muy antiguo pues ya lo usaban en Tebas desde mil años antes de la era cristiana. Cuando mencionamos el color amarillo nos vienen a la memoria muchos recuerdos como el del Submarino de los Beatles que tarareábamos en nuestra adolescencia o el del Tractor que cantábamos ya más maduros, claro que los aficionados al teatro lo que sacan siempre a relucir es la historia de la mala suerte que supone salir a escena con ropa de ese color, que por otra parte debe de ser una leyenda urbana, como se dice ahora, pues Molière en realidad no murió sobre las tablas si no en la cama, dicen las malas lenguas que igual que Jorge Negrete pues también era un buen aficionado al noble arte del feliz ayuntamiento.

significado-amarillo-girasoles

El amarillo es uno de los colores primarios y tiene un significado y simbolismo curioso, ya que resulta bastante contradictorio; por un lado, se le asocia con la felicidad, la alegría y el optimismo y por el otro, con los celos, la envidia, el egoísmo, la traición y con algunas enfermedades; aunque muchos de nosotros sabemos distinguir el amarillo de los demás colores, quizás nos sorprenda que existen más de 100 tonalidades distintas. En el sentido político, el amarillo es el color de los traidores, esto viene de una antigua tradición: Judas Iscariote (el apóstol que traicionó a Jesús) aparece frecuentemente representado con túnica de color amarillo pálido, y que decir tiene de los sindicatos amarillos tan denostados en Italia, en Francia y en España, o del amarillismo de la prensa.

el manifiesto amarillo de Dalí

“EL MANIFIESTO AMARILLO: DALI, GASCH, MONTANYA Y EL ANTIARTE”

El siglo XX es el siglo de los manifiestos como todos ustedes saben; en el año 1928 se publica el Manifiesto Amarillo también conocido por El Manifiest Groc o Manifiest Antiartístic Català escrito por el pintor Salvador Dalí en colaboración con  el crítico de arte Sebastià Gasch y el crítico literario Lluís Montanyà, y que está considerado como una  declaración de principios del movimiento surrealista catalán, y constituye la expresión rompedora más importante de la vanguardia catalana y, posiblemente, una de las más importantes de la española.  Estaba dirigido a los jóvenes catalanes, denunciaba el “estado de putrefacción” de la cultura y hacía una férrea defensa de la modernidad y de la herencia futurista, maquinista y cubista, así como del dadá, atacando los convencionalismos y la cultura oficial catalana, heredera del noucentisme, y generando reacciones diversas en los ámbitos público y privado. La publicación de un interesante libro de Joan M. Minguet, sobre este tema en el año 2004 en que se conmemoraba el nacimiento del pintor, analizando con detalle la gestación del proyecto ha permitido comprender las motivaciones, clarificar su discurso y situar la posición de cada uno de los tres autores, en particular la de Dalí, que utilizó y traiciono a unos y posteriormente a otros, pues si bien la autoría le corresponde en su mayor parte, su posición aparece como la de un maquiavélico estratega que busca promocionarse en un doble juego, entre dos actitudes irreconciliables; por un lado, identificándose con el antiarte y con sus colegas catalanes y, por otra parte, cambiando de orientación y aproximándose al surrealismo. Algo que, desde su provincianismo, ni Montanyà ni Gasch podían asumir y que les dejó perplejos. Con este manifiesto aparece un nuevo rol del artista, el de actor que utiliza los medios de comunicación, pues si bien  buscaba que el manifiesto fuera una caja de resonancia que difundiera un mensaje, lo importante era el escándalo como estrategia eficaz para la promoción en prensa. Les aseguro que no estoy pensando en nada ni en nadie del momento actual, no le busquen paralelismos, asechanzas ni críticas políticas.

pintura del manifest groc

pintura del manifiest groc

si quieren leer el manifiesto, apenas son tres páginas, aquí les dejo el vínculo:
El manifest groc

Todo el camino recorrido hasta ahora es para contarles que hay otro Manifiesto Amarillo, por lo menos, y éste de 1955 que nos lleva a Victor Vasarely, considerado como el padre del Op Art, en el que recoge sus ideas sobre el arte, al que atribuía un fin social. Entre otras cosas, dice: “No podemos dejar indefinidamente el disfrute de la obra de arte solo a la élite de conocedores. El arte del presente se encamina hacia formas generosas, recreables a placer; el arte del mañana será un tesoro común o no será”.

vasarely_nora_dell

El Museo Thyssen de Madrid expone, hasta el 9 de septiembre, la muestra El nacimiento del Op Art. En ella podemos contemplar cómo el artista Victor Vasarely prolonga las investigaciones del impresionismo y su propuesta de que sea en el ojo donde se mezclan todos los colores, en sus cuadros el espectáculo no está en el lienzo sino en la retina del que lo contempla. Los experimentos que el artista húngaro realizó con estructuras espacialmente ambiguas y ópticamente dinámicas irrumpieron en el arte de la década de 1960 dando lugar a una tendencia efímera, pero de extraordinaria popularidad, el Op Art. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes del advenimiento de los ordenadores, marcaron una era en la historia del arte.

op art hexagonos

Su aspiración era crear una síntesis entre pintura y plástica, donde la primera tuviera todas las prerrogativas de una escultura en dos dimensiones. Artista cinético, para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio. De la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica. Vasarely fue al Op art lo que Andy Warhol al Pop art. Su mérito fue convertir el goce de la creación en la interacción con los espectadores, buscaba que este se tuvieran que mover o desplazar para captar el efecto óptico deseado y que fuera  ellos  los auténticos creadores de la obra de arte.  Dio un impulso fundamental en llevar el arte a las masas mediante la explotación de sus imágenes en todos los medios posibles.

 

En los años 60 y 70 las reproducciones baratas de las serigrafías del Op art, el arte que provoca ilusiones ópticas, estaba en todas partes, en la consulta del médico, en faldas, vajillas, papeles pintados, camisetas y hasta en la música. El pintor quería, siguiendo la utopía soviética o la menos radical de la Bauhaus, disminuir la distancia entre el arte y la vida. Ayudó a industrializar el arte con el concepto de multiplicidad. Quería hacer obras que mejorasen la sociedad, que la clase media pudiera comprar, que no estuvieren en subasta o galerías.

cebras

 

No les voy a contar la exposición, no les voy a hablar de las etapas, del blanco y negro, del color, del alfabeto plástico, de las naissances, de las estructuras Vega, de …….,  para esto están los catálogos que ustedes pueden consultar, lo que voy a hacer es aceptar la invitación del artista a participar en su obra y resumir en forma telegráfica algunas de las sensaciones que me provocaron sus cuadros, como la representación de las curvas de nivel de un plano en los espacios del hombre en movimiento, o la similitud entre su visión de los azulejos de la estación del metro y la inspiración de una conocida pintora en los dibujos abstractos de las baldosas de la basílica del monasterio de S.L. del Escorial, o la danza diabólica de Matisse, o las cebras que se muerden la cola como los uróboros de la antigua religión  mitraista,  o la correspondencia entre el folclore planetario y el acontecimiento histórico planetario  de una conocida y felizmente olvidada ministra, o los algoritmos y las permutaciones, o  Pignon y la ventana de Sanchinarro, o…. sírvase usted mismo si se da una vuelta por la exposición. El Op Art ha muerto, las nuevas tecnologías y los programas de diseño por ordenador lo han asesinado; al final todo queda en un recuerdo y a veces en unos calcetines con unos dibujos geométricos que no comprometen.

novia gitana

La verdad es que la palabra uróboros es bastante rara; a pesar de conocer las pulseras de la serpiente mordiéndose la cola, yo no  había visto nunca esa palabra escrita hasta que leí la novela que hoy les traigo como recomendación. Se trata de La Novia Gitana de Carmen Mola -creo que es un pseudónimo- publicada recientemente por Alfaguara y que estoy seguro que les va a resultar bastante entretenida. Es la historia de una joven mitad gitana y mitad paya, que desaparece el día de la celebración de su despedida de soltera. Su cadáver es encontrado dos días después en un parque de Carabanchel; ha sido salvajemente torturada, pero de una manera muy especial. Lo más insólito es que, siete años antes, su hermana mayor, fue asesinada en idénticas circunstancias y también días antes de su boda. Pero el asesino de la mayor, fue detenido y condenado, y está preso en la cárcel. El equipo al que se le asigna la investigación es muy peculiar, en realidad son en cierto modo los protagonistas de la novela y barajan dos únicas posibilidades: que un imitador anda suelto o que hay un inocente encarcelado. Según avanzan las pesquisas, observan que la investigación antigua no se llevó a cabo correctamente. ¿Fue una chapuza o se quiso exculpar a alguien y mandaron a un inocente a la cárcel? Es un thriller, un gran thriller, con muchos temas sociales encima de la mesa, violencia contra las mujeres, alzhéimer, gitanos-payos, crímenes en serie, errores judiciales, se lee muy bien, engancha, es fuerte y tiene un ritmo ágil que termina convirtiéndose en trepidante, con unos capítulos absorbentes en los que no paran de suceder cosas, cada vez más sorprendentes. Hay dos relatos paralelos que al principio desconciertan pero que son necesarios para empaquetar el conjunto de la narración. Los personajes tienen mucha importancia y sus circunstancias son necesarias para entender la trama final; de alguna manera se hace creer que todos tienen motivos para ser el asesino y nos llevan dando tumbos entre unos y otros de los sospechosos hasta el final, aunque todos tienen sus pecados que vamos descubriendo.

 

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