CoronaHopper

Me imagino que no seré el único al que esta situación le haya desbordado; a lo largo de estas semanas han pasado por mi cabeza multitud de pensamientos, ideas, deseos y sentimientos, en casi todos ellos aparecían imágenes -estamos en la era de la imagen- que reflejaban la situación; las más frecuentes eran las de los cuadros de Edward Hopper y por eso se me ocurrió titular así esta entrada.

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Para los que no lo sepan E. Hopper fue un pintor norteamericano que inició su andadura con todos los monstruos sagrados de la escuela de Ashcan que a través de Arshile Gorky llevó al expresionismo abstracto posterior a la IIGM, aunque él después tomó un camino propio hacia el realismo social, el llamado realismo americano, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida estadounidense contemporánea.

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La pintura de E. Hopper es un retrato de la sociedad norteamericana posterior a la Gran Depresión de 1929, un relato de la soledad y la incomunicación. Es un detalle más en esta asociación de ideas.

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Todos los cuadros de Hopper tienen una fuerte carga narrativa, nos cuentan historias inconclusas, sus personajes están meditabundos, perdidos, aislados y parecen reflexionar sobre algún hecho dramático, como pasajeros entre dos momentos vitales.

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Hopper es un artista en apuros que se convirtió en icono de la experiencia urbana moderna. La soledad, para él, se refleja en los interiores, sus personajes, la mujer o la pareja, son testigos de cargo de los espacios vacíos.

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Hopper descubrió que – incluso cuando otros nos quieren en demasía – una parte esencial de nosotros siempre está sola. Es este reconocimiento el que hace que sus cuadros sean tan convincentes. Y, en efecto, es al dirigirse a la soledad cuando el arte puede ser más terapéutico: al consolarnos y al tranquilizarnos, mostrándonos que la enajenación y el dolor son normales, el que no somos ni muy extraños ni muy vergonzosos por experimentarlos. El arte que es triste y muestra la soledad nos permite como espectadores presenciar un eco de nuestras propias tristezas y decepciones, y de ese modo nos sentimos menos perseguidos y acosados por estas de manera personal.

filosofía

Su  influencia en el arte figurativo posterior a él y en el Pop Art ha sido notable tanto en la pintura como en la fotografía y de esta última quiero hablarles hoy porque recuerdo que hace unos cuantos años asistí a una exposición del pintor y fotógrafo Jose Manuel Ballester en el antiguo edificio de la Tabacalera de Madrid, que con el título de Espacios Ocultos, llenó las paredes de la sala con unas representaciones a gran escala de obras maestras de la pintura desprovistas de sus personajes, algunas de ellas del Renacimiento italiano. Les dejo aquí una muestra para que los que no tuvieron oportunidad de visitar la exposición se hagan una idea de la impresión que produce una imagen muy conocida que de repente aparece despojada de algo tan suyo como son los personajes. Nos sorprende el artista con la paradoja de suprimir la presencia humana en esos cuadros renacentistas, que como se sabe fue el período en que se magnificaba la figura del hombre.

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Estudio del artista, de Vermeer

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Las Meninas, de Velázquez

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La Anunciación, de Fra Angélico

1.-Anunciación-Ballester

Para los que quieran admirar su obra completa les dejo aquí el link del Jose Manuel Ballester:

 https://www.elestudiodelpintor.com/2015/09/espacios-ocultos-jose-manuel-ballester/

Recientemente conocí de primera mano en el salón de la casa de un familiar una obra de otro fotógrafo actual, Ignacio Pereira, cuyo trabajo de los últimos años, consiste en fotografiar espacios muy conocidos de las ciudades, entre ellas Madrid, a la luz del día, suprimiendo todos los vehículos y las personas que normalmente estarían transitando por el lugar excepto uno que sirve de testigo de la vida, es el apóstol de la soledad y se considera como la firma del artista.

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La Puerta del Sol de Madrid

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La calle Toledo de Madrid

El link de Ignacio Pereira, para el que esté interesado en toda su obra:

 https://ignaciopereira.com/

Aunque no se las traiga aquí para no abrumarles más, también son conocidas otras fotografías de las calles solitarias de Madrid que tomó el fotógrafo Iñaki Vinaixa aprovechando la oportunidad de la primera noche que supuso el confinamiento decretado por el gobierno para desnudar las calles de tráfico, o las de Clemente Bernard en blanco y negro, o aquellas otras más frías de las cámaras de la policía municipal, pero todas ellas con el mismo telón de fondo, la ciudad vacía, la soledad de las calles.

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Al hilo de estas fotografías, voy a hacer un inciso  para comentar algo en relación con un movimiento artístico norteamericano que aparece en la segunda mitad del pasado siglo, se trata del movimiento artístico del Apropiacionismo, que es un claro ejemplo del arte posmoderno y uno de los movimientos más polémicos que trae esa corriente artística. Este arte posmoderno se caracteriza por la combinación de lo antiguo y lo nuevo, su culto a la cultura popular y la influencia de los medios de comunicación de masas, dando lugar a diferentes movimientos artísticos que son diferentes e incluso discordantes. El Apropiacionismo surge en Nueva York, como respuesta a otros movimientos como el minimalismo y el conceptualismo, que representaban el arte por el arte. El contexto de las obras y su justificación quedan en un segundo plano frente al protagonismo de la imagen. Entonces, el Apropiacionismo aparece, no para representar la realidad mediante una imagen, sino para recontextualizar trabajos anteriores. Los artistas apropiacionistas no ofrecen una imagen, ni siquiera una imagen que represente la realidad, buscan el impacto por lo que expresan con sus obras. Prima el elemento de la narración. El nombre de este movimiento proviene del concepto de apropiación porque sus artistas se apropian de elementos de otras obras para crear una última obra completamente nueva a la que se recontextualizará dándole un nuevo significado. A lo largo de la historia esta apropiación de elementos ajenos se ha realizado muchas veces, un antecedente muy próximo a este movimiento lo tenemos en la famosa obra de Marcel Duchamp que se apropia de la imagen de La Gioconda.

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L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp.

En este marco del apropiacionismo y del plagio,  el conflicto de intereses en cuanto a la propiedad intelectual de la obra no es una cuestión pacífica ni fácil de resumir en unos renglones, y esto viene al caso por el asunto de la polémica del fotógrafo Ignacio Pereira, citado anteriormente,  autor de la fotografía de La Gran Vía de Madrid desierta y la apropiación de esa misma imagen por un partido político, crítico con el comportamiento del gobierno central en la gestión de la crisis, presentando El Silencio de los Ataúdes.

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El fotógrafo amenaza con demandar a los autores porque nadie le pidió permiso para utilizar su fotografía de La Gran Vía desierta y aprovecha para desmarcarse de los fines políticos críticos con la gestión gubernamental, los autores de la foto copiada, en su defensa, argumentan que aunque no le pidieron permiso, no tenían intención de apropiarse de la autoría de la imagen como demuestra el hecho de que han mantenido la firma del autor (pues han dejado la presencia del individuo solitario que constituye la seña de identidad del fotógrafo) además de ello aducen que al añadir los ataúdes ha cambiado por completo el contexto de la interpretación.

el silencio de los ataúdes

La polémica está servida, como dice BANSKY el famoso grafitero, es más fácil pedir perdón que pedir permiso.

Esta sociedad perdida y desilusionada de la que nos habla Hopper también ha sido narrada por grandes nombres de la literatura norteamericana. Para bucear por el universo del pintor he seleccionado un par de libros que podrían ocurrir dentro de cualquiera de sus cuadros.

 

         

De ratones y hombres de John Steinbeck, publicada en 1937. Cuenta la historia de dos humildes peones que buscan trabajo en alguna granja de la California de los años treinta. Los paisajes solitarios, los hombres rudos de campo, las praderas secas, la soledad en la que viven sumidos los personajes, son la representación del realismo que también pinta Hopper en sus cuadros.

Muerte de un viajante, de Arthur Miller, es una obra de teatro de 1949. Muchos ven en la historia de esta familia una crítica al sistema capitalista. El antihéroe americano, el hombre fracasado que refleja la otra cara del país de las oportunidades, la cara más sombría, la que nadie quiere ver, al igual que sucede con el trabajo de Hopper.

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Por último y para recomendarles la obra Hopper de Mark Strand en la que el ensayista y poeta canadiense se acerca y analiza poéticamente la obra del pintor a través de 30 de sus principales obras que le sirven para evaluar el arte pictórico de Hopper y calibrar el impacto sobre su propio espíritu y, en generalización literaria, el de su contemporaneidad, que es la nuestra. Esta pequeña obra de apenas 100 páginas es muy agradable de leer y estoy seguro de que a todos los amantes del pintor y sobre todo a ellas que son las más decididas, les faltará tiempo para adquirirla o para pedírmela.


 

PS Después de haber publicado esta entrada, me ha llegado un trabajo del fotógrafo Emiliano Sánchez que incluyo aquí porque tiene relación con el tema, se trata de un trabajo  sobre Madrid sin habitantes recorriendo algunos de sus rincones más conocidos con esa técnica tan espectacular de las fotografías en 360 grados, tarda un poco en cargarse, hay que tener paciencia:

Madrid sin ti