Guardia Vieja

Guardia Vieja es el nombre que recibió el movimiento cultural formado  por un  grupo de músicos, poetas y bailarines que crearon el tango en un periodo de unos 25 años a caballo del cambio de siglo, del XIX al XX; aunque en realidad el origen del tango es anterior, se identifica con esta etapa  porque en ella es cuando  adquiere nombre, señas de identidad y originalidad musical y coreográfica propias, aparece también en estos momentos el bandoneón dentro de las orquestas típicas. Con el fin de la Guardia Vieja allá por los locos años 20 y el inicio de los tangos de canción de Contursi y Gardel, el viejo tango dejó de formar parte del folclore argentino en sentido estricto y llegó a sufrir una etapa de desprestigio tras la llamada Revolución Libertadora de 1955, arrinconado por la juventud que en una parte importante se volcó hacia una nueva música urbana argentina, una suerte de rock nacionalizado y bautizado como música progresiva, llegando a considerar al viejo tango  “cosa de viejos”.  Hubo después otros intentos por recuperar su popularidad tras la insidiosa campaña en su contra, desde fines de los 80 logró un aggionamiento que le hizo música y baile de exquisito culto; en la actualidad la variedad más moderna del tango en 2014 se denomina neotango y se caracteriza por su desestructuración y el incluir la fusión de otros estilos musicales.

Argentina es un  país con una gran diversidad cultural y una importante actividad artística de renombre internacional en el teatro, la pintura, la escultura, la música y la literatura principalmente,  porque la cultura argentina tiene como origen la síntesis de culturas preponderantemente europeas que se encontraron durante los años de las inmigraciones, lo que le hizo decir al escritor mejicano Carlos Fuentes: “Los mejicanos descendemos de los aztecas, los peruanos descienden de los incas y los argentinos descienden… de los barcos!”  y  a ello también se refería Ernesto Sábato al hablar de  la fractura de la primitiva realidad hispanoamericana en la cuenca del Plata por la inmigración, y con ello ponía de manifiesto la dualidad de sus habitantes, con todos los peligros pero asimismo con todas las ventajas de esa condición: ……”por nuestras raíces europeas vinculamos de modo entrañable el interior de la nación con los perdurables valores del Viejo Mundo; por nuestra condición de americanos, a través del folclore interior y el viejo castellano que nos unifica, nos vinculamos al resto del continente, sintiendo de algún modo la vocación de aquella Patria grande que imaginaron San Martín y Bolívar”.buenos-aires-boca-tango-3

 También esta dualidad aludida aboca a los argentinos a agruparse en escuelas o movimientos artísticos que asimilan los estilos europeos y les dan su sello personal, porque dicen que Europa entra en América por Buenos Aires, y así los primeros grandes movimientos pictóricos en la Argentina, con características propias de una pintura latinoamericana que comenzaba a desarrollarse en todo el continente, coinciden con las primeras manifestaciones de libertad política en el país y la llegada al gobierno del primer presidente elegido por voto popular, Hipólito Yrigoyen, en 1916 y la revolución cultural que implicó la Reforma Universitaria de 1918; la influencia de la Escuela de París da lugar a los tres primeros grandes grupos de las vanguardias argentinas: El Grupo Florida identificado con la clase medio-alta, El Grupo Boedo de tendencia socialista, y el Grupo de La Boca muy influido por la inmigración italiana. Después vendrían las segundas vanguardias con el grupo Orión, los pintores sensibles, los pintores ingenuos, los neorrealistas, la Escuela de muralistas de Tucumán, el grupo nueva figuración, el movimiento de arte generativo, los pintores modernos, el movimiento Madí, y los movimientos más recientes hasta llegar al grupo Mondongo de gran proyección internacional sobre todo a raíz de la bienal de Venecia 2007.

Y todo este recorrido por la pintura moderna argentina del último siglo y sus interlocuciones con las corrientes europeas lo traigo a colación para responder a una amiga argentina que me decía recientemente que intuía alguna razón que la conectaba con Europa, y quizá no haya caído en la cuenta de que esa razón era ella misma, ella es el verdadero vínculo trasatlántico. O acaso a primera vista son ustedes capaces de diferenciar en estas fotografías el Rastro de Madrid y San Telmo de Buenos Aires.

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Y no podía ser para menos que, hablando de Argentina y Europa, la novela recomendada esta vez sea El tango de la Guardia Vieja de Arturo Pérez Reverte.  Una pareja de jóvenes apuestos, acuciados por pasiones urgentes como la vida, se mira a los ojos al bailar un tango, aún no escrito, en el salón silencioso y desierto de un transatlántico que navega en la noche, trazando sin saberlo, al moverse abrazados, la rúbrica de un mundo irreal cuyas luces fatigadas empiezan a apagarse para siempre. Un extraño desafío entre dos músicos, que lleva a uno de ellos a Buenos Aires en 1928; un asunto de espionaje en la Riviera francesa durante la Guerra Civil española; una inquietante partida de ajedrez en el Sorrento de los años sesenta…

el tango de la guardia vieja

El tango de la Guardia Vieja narra con pulso admirable una turbia y apasionada historia de amor, traiciones e intrigas, que se prolonga durante cuatro décadas a través de un siglo convulso y fascinante entre la luz crepuscular de una época que se extingue. Además de ser  una gran historia de amor, la novela es también un amplio y documentadísimo fresco de la historia de una Europa desvanecida, la de los años veinte, treinta y sesenta. Amor, sentimientos, erotismo y aventura.

Por cierto no sé si saben ustedes que Arturo Pérez Reverte, se encontraba entre los saharauis que sorprendentemente se manifestaron en el Aaiún el día de la visita de la comisión de la ONU al Sahara español allá por el año 1975, pero esto es otra historia que algún día les contaré.

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La octava de los santos

Cuando era un niño oía decir a mi madre que todos los santos tienen octava y no es porque no se acordara  de mi santo ni de el de mis hermanos que eran muchos, no sé cuál era el motivo sólo recuerdo que se lo oía decir.

San_Sebastian_El_Greco-787x1024El caso es que el pasado 20 de enero era San Sebastián el mártir que más veces se ha representado en la pintura religiosa de todos los tiempos (Alonso Berruguete, El Greco, Rubens, Marco Palmezzano,  Rafael, Boticcelli, Mattia Preti entre otros) y uno de los primeros desnudos masculinos; es curioso cómo se representaba su martirio con el cuerpo atravesado por numerosas flechas, y digo curioso pues la tradición nos cuenta que a pesar de ser asaetado no murió, se salvó gracias a los cuidados de santa Irene y una vez curado de sus heridas volvió a presentarse ante el emperador Diocleciano insistiendo en su compromiso cristiano y esta vez sí que fue ajusticiado y certificada su muerte.

Una buena amiga, con amplios conocimientos de historia del arte, me explicó que San Sebastián está considerado como un icono gay,  y aunque las fuentes históricas no dan pistas sobre su homosexualidad, el caso es que en algún momento saltó la chispa y empezó a considerarse esta tradición; efectivamente en algunas de las representaciones pictóricas se le han dado ciertos rasgos femeninos, otros atribuyen a las flechas el significado de los dardos que recibían de la sociedad en aquellos tiempos los “desviados” , en fin hasta hay quien ha querido ver algo en las plumas de las flechas……

Otro de los iconos que me  llaman la atención es la pareja de leones que tira del carro de la diosa Cibeles, en la fuente central de la plaza del mismo nombre que tenemos en Madrid y que curiosamente son más los que la asocian a los acontecimientos deportivos que los que conocen la historia de la pareja en sus orígenes mitológicos. Se trata de Atalanta e Hipomenes.hipomenes y atalanta

Ella, hija de rey, bella y con muy buenas cualidades físicas, simboliza la mujer contestaria que se rebeló contra todos los esquemas patriarcales de la Grecia antigua y logró obtener el respeto de sus contemporáneos así como de la posteridad, abominaba de casarse tal y como su padre le pedía con insistencia; para salirse con la suya ideo una estratagema, retó a sus pretendientes, uno a uno,  a una carrera pedestre;  el que la ganara la poseería, el que fuera derrotado pagaría con su vida.

atalantaÉl  se prendó locamente de su hermosura y pidió ayuda a Venus para afrontar la prueba, la diosa le dio unas manzanas de oro que el joven fue tirando a lo largo de la carrera; Atalanta, guapa, sobrada y codiciosa las iba recogiendo  y  recuperando inmediatamente el trecho perdido, pero con la última se entretuvo dando tiempo a Hipomenes a llegar el primero a la meta y ganar la carrera y el premio. Cuentan las crónicas que después de esto, a él se le olvidó dar las gracias a Venus y a ella se le pasó la frigidez estando la pareja un día cerca de un templo, entraron a amarse y en mala hora porque fueron descubiertos y castigados a estar siempre juntos sin copular, convertidos en una pareja de leones machos que tirarían del carro de Cibeles. Las parejas homosexuales, y los transexuales han visto en esta narración de la antigua mitología un referente también.

Los íncubos y súcubos son entidades demoníacas íntimamente ligadas a los placeres sexuales. Incubo es el demonio de género masculino, su nombre proviene del latín “incubare” que quiere decir estar encima; éstas entidades gustan de poseer carnalmente a las mujeres fértiles en sueños para poder fecundarlas y así tener descendencia. Mientras que súcubo  es la forma femenina y su nomenclatura procede de “succubus”, sinónimo de prostituta o yacer debajo. Estas seducen a los hombres y se acuestan con ellos, suelen adoptar la forma de una mujer a la que éstos conocen para ganar su confianza y lograr su cometido. Por su parte, los hijos nacidos de la unión entre un humano y un demonio generalmente son retrasados mentales, deformes, proclives a caer en manos del Maligno quien los maneja como títeres, o bien puede que posean poderes mágicos, tal es el caso del famoso mago Merlín, de hecho hay quien afirma que su nacimiento   fue fruto de la unión del íncubo Larimon y una neófita. Uno de los súcubos que mayor renombre tiene es Lilith, considerada como la reina de toda la casta. Según cuentan las leyendas se trata de la primera mujer de Adán que rechazó a Dios y se convirtió en un demonio. Algunas creencias los muestran como seres de extrema belleza y gran atractivo físico, sensuales, descarados y desinhibidos Se sabe que el origen de este mito se remonta hacia los confines de nuestra existencia, pero es durante la Edad Media cuando adquirió mayor relevancia, muchas mujeres adjudicaban la pérdida de su virginidad a ataques sexuales de los íncubos., cuando en realidad la mayoría de los relatos no eran verídicos.

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Actualmente la ciencia psicológica adjudica la existencia de los íncubos y súcubos a las poluciones nocturnas que presentan los hombres, y a los sueños en los que la persona siente que está despierta y que alguien la sostiene por encima. En la antigüedad, como no se contaba con las herramientas que hoy día tenemos, buscaban en los mitos la explicación a todo suceso que les era extraño o inaceptable. Pues bien ahora resulta que el colectivo del tercer género también  quiere tener su propio demonio icónico y no saben qué hacer para encontrarlo, se busca a alguien ligado claro está a sus placeres sexuales específicos, de maldad acreditada, con un gran poder, ubicuo, que intente buscar la ruina de los hombres y mujeres que encuentre a su paso, a ser posible famosos,…. vamos un pequeño demonio con carita de querubín.

Mr. Turner y el dragón

a turnerHace pocas semanas han estrenado en Madrid la película Mr. Turner y ayer tuve por fin la ocasión de ir a verla, ya  había leído algunos artículos sobre el tema, sobre el director y sobre la película misma.

El director Mike Leigh, es un hombre de teatro y de cine, pero al parecer más de teatro. Se nota desde luego en el montaje de  la cinta que es  como una obra en tres actos cada uno de los cuales está formado por varios cuadros (en el sentido teatral) y al finalizar algunos de ellos, los más importantes  o aquellos en los que ha querido poner mayor énfasis, la cámara abre el campo  y nos enseña un paisaje maravilloso, un maravilloso cuadro (en el sentido pictórico).

La vida de Joseph Mallord William Turner  no puede meterse en 150 minutos de metraje, por eso se recurre a darnos unas pinceladas, nunca mejor dicho, de su carácter, de su formación, de su apariencia, de su técnica, de su norte y de su ambición, todo ello en el marco histórico, geográfico, político y social en que transcurre.  El imperio británico es hijo del mar, y el mar está presente de forma permanente en la vida diaria, las referencias al mar son constantes en cualquier ambiente. El éxito y  la ambición son frutos de su laboriosidad y buen hacer y el desprestigio, cuando empieza la innovación,  es lo normal en un país tan conservador como Inglaterra,  que sigue siendo monárquico a pesar de haberle cortado la cabeza a alguno de sus reyes, gran aficionado a la pintura por cierto, de cuya almoneda tenemos magníficos cuadros en el museo del Prado.

a turner 2A mí me parece que la película está cargada de metáforas: el oficio de pintor (vocación, trabajo, aprendizaje, observación…), las 7 hijas de Eva (la madre, la ex, la hija, la puta, la criada, la solitaria, la compañera),  el paraguas su fiel camarada que nos indica que el tiempo en Inglaterra es el que es y que la luz de las escenas no es real sino algo interior del artista, la rivalidad política entre Francia e Inglaterra que trasciende a todos los ámbitos de la vida y en este caso a la pintura y los pintores cuando se ningunea a Claudio de Lorena, la mitología……

La película recrea algunas anécdotas conocidas de la vida del artista como la tempestad vivida al estilo Ulises o las relaciones con algunos personajes importantes, como el también pintor Constable o el crítico Ruskin;  en relación con este último no puedo evitar recordarle como el “pequeño Ruskin”, es insufrible.

Al parecer en el siglo XII en el reino de ultramar se tuvo noticia de que Manuel  Comneno emperador de Bizancio, gran coleccionista de objetos raros, tenía en su palacio un diente de dragón;  la búsqueda del dragón y la espada de San Jorge provienen de la antigua Inglaterra….pero esta es una historia para otra ocasión.

Vayan a ver la película, es interesante, pero dejen los prejuicios en casa y sáquenle punta  a las escenas, a los diálogos, a los cuadros y a la luz.

nadie entre aquí que no sepa geometría

La Academia platónica fue una escuela filosófica fundada en Atenas por Platón cerca del 388 a.C  en los jardines de Academo y clausurada por el emperador Justiniano  en el año 529. Dedicada a investigar y a profundizar en el conocimiento, en ella se desarrolló todo el trabajo matemático de la época aunque también se enseñaban otras disciplinas, en estas escuelas clásicas se encuentran los antecedentes de las universidades.

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Su inclinación por los estudios matemáticos, le llevó a poner en el frontispicio la siguiente inscripción: “Aquí no entra nadie que no sepa geometría”.  Los filósofos,  en cuánto que profesores o maestros tenían un espíritu de  “casta” que ha llegado hasta nuestros días, y este lema excluyente del frontispicio de la Academia deja patente un sentimiento que ha estado presente a lo largo de la historia y que se materializó en la época de la Ilustración con el célebre principio de: todo para el pueblo pero sin el pueblo. Los filósofos deberían de dirigir la república de Platón,……los profesores deberían dirigir la república actual de Podemos.

Las disciplinas objeto de estudio en la antigüedad abarcaban tres campos bien diferenciados: El de lo corpóreo y perecedero, todo lo que podemos ver y tocar (medicina, botánica, anatomía, farmacopea…). El de lo emotivo y espiritual, relativo al corazón de los hombres, percibido por la palabra y la lectura (poesía, mitología, ética, retórica, gramática…). El del intelecto y del raciocinio, que guarda relación con los números y el orden del universo (geometría, arquitectura, cálculo, astrología…).

Voy a citar a dos franciscanos, sólo para recordar algunos casos que ponen en contacto las matemáticas con el arte,

Roger Bacon (doctor admirable) estudió matemáticas en París a mediados del siglo XIII, cuando se estaba esculpiendo la parte esencial de las esculturas de las portadas de Notre-Dame, y aquí fue donde aprendió los fundamentos alquímicos que hicieron posible que escribiera su obra Espejo de la alquimia, tal vez siguiendo los pasos marcados por el obispo Guillermo, el único que logró la piedra filosofal, que guardó en Notre-Dame. Sobre Bacon se han dicho muchas cosas. Era franciscano y los franciscanos estaban siempre en el filo de navaja de la herejía. Había obispos que los consideraban próximos a los herejes que defendían la pobreza como pauta esencial de comportamiento de la Iglesia. Al parecer, el papa Juan XXII condenó en 1323 a quienes defendían la pobreza y consideró herejes a los que practicaban la austeridad. El secreto de la estrella de ocho puntas del también alquimista Nicolás Flamel, el número “fi”, descubierto por el matemático Leonardo de Pisa, más conocido como Fibonacci, que escribió en 1202 el Libro del ábaco, el número perfecto, el segmento áureo,   son elementos muy presentes en la pintura y en la arquitectura medieval.

retrato de un matemático de barbani

Luca Paccioli, nacido en 1445, también franciscano y matemático es el protagonista del cuadro más reproducido en los libros de historia de las  matemáticas, retrato de un matemático, del pintor italiano Jacobo de Barbari, que se conserva desde hace siglos en la Galería Nacional de Capodimonti, en Nápoles. En el cuadro, el geómetra franciscano vestido con su humilde hábito gris y cubierto con la capucha, explica a su pupilo una figura plana con ayuda de una varita. Se trata de un diagrama del volumen XIII del libro de los Elementos de Euclides, el tratado más leído por todos los geómetras hasta el siglo XX.    En el tratado de De divina proportione, editado en 1503 por Luca Paccioli e ilustrado por el gran Leonardo da Vinci, el franciscano defiende la aplicación de la geometría en la creación de obras de arte, justificando que la proporción y el equilibrio eran esenciales en cualquier obra que quisiera ser considerada como artística.  En el cuadro aparecen dibujados dos poliedros. En el ángulo inferior derecho hay un dodecaedro, una figura regular de doce caras formadas por doce pentágonos regulares, de unos doce centímetros de altura, fabricado en un material que parece mármol blanco; este poliedro presenta en sus medidas el número “fi” es decir, la proporción numérica expresada por el número irracional 1,618…, en este caso derivado de tres medidas del dodecaedro: la arista, la diagonal de cara y la distancia entre aristas opuestas.     Suspendido en el aire, en el ángulo superior izquierda del cuadro, flota un poliedro de cristal, exactamente un rombicubooctaedro o, en otras palabras, una figura tridimensional de veintiséis caras, de las cuales dieciocho son cuadrados y ocho triángulos equiláteros. Este poliedro transparente contiene un líquido incoloro, tal vez agua, que ocupa la mitad de la capacidad total.

el cuadro más bonito

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta una pequeña muestra con cinco obras del artista holandés Vincent van Gogh, como parte de los eventos VanGogh2015, que conmemoran en varios museos europeos el 125 aniversario de su muerte; se trata de  de cuatro óleos y una litografía que representan las grandes etapas de su carrera y que  fueron adquiridas, entre 1965 y 1996, por Hans Heinrich Thyssen, quien había nacido en Scheveningen, la misma playa donde Van Gogh iba a pintar con frecuencia durante sus años en La Haya. Junto a ellas, tres pinturas (también de las colecciones del Museo) de Georges Michel, Charles-François Daubigny y Anton Mauve, tres paisajistas que ejercieron una influencia decisiva en su formación. La mini exposición estará abierta hasta el 11 de enero en el balcón-mirador de la primera planta, con acceso gratuito. les vass

Me refiero en la entrada a uno de estos cuadros: “Les Vessenots” en Auvers, 1890, y ya sé que lo bonito no es una categoría pictórica como lo bello, sublime, real, pintoresco…..pero a mí este paisaje me lo parece, es espontáneo y está lleno de expresión y sentimiento, no hay narración en el tema, pero la pincelada empastada recorre el lienzo con sus trazos y remolinos como corcheas y curvas de violín olvidando las líneas rectas; la gama de verdes gradúa la vida propia del cuadro y el contraste con el tejado rojo del fondo contribuye a definir su profundidad; el horizonte alto produce el efecto de llenar el cuadro de esa última primavera de 1890, que ya se ha acabado,  como  premonición del  trágico final del artista.

Van Gogh desde el principio admira y quiere seguir los pasos de Millet, aunque después encuentra su propio lenguaje tan peculiar; las estaciones de Millet le influyen;  como a tantos otros pintores, las estaciones, las cuatro estaciones, la primavera…..

los tres antonio vincent y alessandro

 

Y saltando hacia el Este por encima de los siglos y de los Alpes  nos encontramos  en Venecia con Antonio Vivaldi, el célebre violinista y compositor barroco, autor  de las cuatro estaciones, entre otras muchas obras, que acompaña a Vincent en algunos detalles de su vida: sus inicios clericales (il prete rosso), el color de su pelo, el contacto con  la orfandad,   la emoción en su obra, las curvas de su violín…… los últimos años de su vida los pasa en Viena, añorando  el color de su Venecia natal y al parecer implicado en una especie de secta esotérica, la Fraternitas Charitatis, tal y como nos lo describe Peter Harris en su entretenida novela el enigma Vivaldi.

el secreto de boticcelli

 

Para cerrar este ciclo y en nuevo salto ahora hacia el Sur aterrizamos en  Florencia, cuna del renacimiento, y llegamos hasta el taller de Alessandro Boticcelli, donde se dan los últimos retoques a su famosa obra la primavera; este cuadro sí que tiene narración, más parece un compendio  de símbolos y alegorías, os invito a la lectura de la novela de Marina Fiorato que los describe con detalle. Alejandro y Vincent también tienen muchas cosas en común y de ellas destaco una, el trato con las prostitutas, que aparte del aspecto sórdido que ello conlleva esconde un trasfondo de soledad, miedo e incomunicación pocas veces mencionados por no parecer inconvenientes.

impresionismo americano

Impresionismo americano, organizada por el museé des impressionnismes Giverny y la Terra Foundation for American Art en colaboración con las National Galleries of Scotland y el Museo Thyssen-Bornemisza, presenta las experiencias de los pintores americanos en París, Londres o Giverny, y el desarrollo del impresionismo en los Estados Unidos hasta el cambio de siglo a través de artistas como William Merritt Chase, Childe Hassam, Theodore Robinson o John Henry Twachtman.

impresionismo americano

En 1886 la primera gran exposición de arte impresionista francés abrió sus puertas en Nueva York. Desde la década anterior, algunos artistas expatriados como Mary Cassatt, John Singer Sargent o James McNeill Whistler habían contribuido a la difusión de las nuevas tendencias al otro lado del Atlántico, pero la muestra, organizada por Durand-Ruel, permitió a los jóvenes pintores americanos familiarizarse con la pincelada suelta, las sombras coloreadas, y la nueva temática que presentaban estas obras. Algunos de ellos viajarían a Europa para ampliar sus conocimientos sobre este fenómeno artístico, que luego adaptarían al gusto norteamericano.

 

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La exposición es interesante y  plantea con acierto el fenómeno del vínculo transatlántico que tanto se ha empleado en la fraseología política y que podíamos resumir en  otro de los grandes tópicos del momento “unidos en la diversidad”.  Se ponen de manifiesto  las relaciones personales entre los pintores, sirva como anécdota visual la presentación en la muestra de dos cuadros uno junto a  otro que representan, el primero de ellos,  una escena en que Monet está pintando un lienzo “au plein air” y es  obra de Sargent y el otro que es precisamente el lienzo que pintaba Monet.  Se destaca igualmente el gran  esfuerzo de  adaptación que hacen los americanos para asimilar el impresionismo y acomodarlo a su consumo interno,  y al final se entiende bien porqué Sorolla gustó y vendió tanto en América en comparación con los resultados, peores sin duda,  obtenidos anteriormente en  Londres sobre todo y en París,…. tenía el terreno abonado.

batallón ciclista

El uso de la bicicleta en los ejércitos viene de antiguo, aunque a las nuevas generaciones acostumbradas al wasApp y a los drones les pueda parecer increíble, ya se usaron en la Gran Guerra,  en la Guerra civil española y en la II GM, por los ejércitos de todas las naciones.

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Las unidades ciclistas estaban encuadradas como infantería principalmente aunque también había destacamentos  en misiones de comunicación y enlace, tendido de líneas telefónicas y otras similares;  se emplearon  en tropas ligeras, los bersaglieri italianos, que tienen a la Madonna de Ghisallo como patrona de los ciclistas, e incluso en unidades paracaidistas alemanas.

bon ciclista republicano

Hay numerosos testimonios gráficos de los batallones ciclistas durante  la guerra civil española y acabada la contienda aún tuvieron su empleo en la represión del bandidaje quedando constancia de su actuación en la provincia de Ávila participando en la captura de una partida del maquis en la sierra de Gredos. Sigue leyendo

camaradas de peine

 

Se dice así de los compañeros de fechorías, aunque la expresión ya está en desuso tiene su origen en el siglo XVIII, “Cuando Fernando VI ordenó que el ejército español llevara el pelo con cuatro órdenes de bucles, coleta y polvos, se llamó ‘camaradas de peine’ a los soldados que ayudaban a peinar a sus compañeros, ya que a  los soldados les era imposible manejar por si solos los canutos de hojalata de que se servían para formar los bucles, y porque se exponían a ensuciarse el vestuario con el sebo y la harina que tenían que manejar… Hoy se aplica aquel nombre a las personas que andan muy unidas, y especialmente a las que se conciertan para algún fin particular, no siempre bueno”, según relata  José María Sbarbi y Osuna, sacerdote gaditano, filólogo y musicólogo en su obra Florilegio o ramillete alfabético de refranes y modismos comparativos y ponderativos de la lengua castellana (1873).

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Los soldados se organizaban por parejas, ayudándose mutuamente a peinarse. Cada soldado tenía en otro a su camarada de peine. Y esta idea de la organización por parejas viene de antiguo en los ejércitos, basta con recordar a Aquiles y Patroclo o a Alejandro Magno y Hefestión,  pero aunque en la actualidad se quiere resaltar la connotación de homosexualidad en esas parejas de guerreros – estamos en el otro lado del péndulo con la  exaltación del antiguo vicio nefando –  lo más importante es el concepto de compañerismo y camaradería que adquiere su máximo valor en los ejércitos  al tener que compartir la dureza de la vida militar en guarnición y pasar juntos las penalidades  del combate, sin menospreciar, por supuesto, el compañerismo que pueda existir en otras profesiones o vicisitudes del trabajo o  de la vida.

Y viene a cuento lo de las parejas o compañeros de fechorías  para recordar, en el campo de la política,   la ruptura Gonzalez-Guerra  no hace muchos años, o  en los momentos actuales a los que tienen que pedir perdón por los compañeros en que depositaron su confianza como el caso Aguirre-Granados, a otros que han roto las hostilidades como la pareja Mas-D.Lleida (claro que éste no necesitaba peine) y a algunos otros  que ya están empezando a mirarse de reojo como es el caso Iglesias-Echenique (aquí también hay una desproporción entre los bucles, la coleta y los polvos de ambos).  Sigue leyendo

exposiciones y mecenas

La Fundación  Mapfre,  en la  sala Bárbara De Braganza,  presenta  una exposición muy completa del trabajo del fotógrafo americano Stephen Shore que a sus 67 años ha sido  un referente para varias generaciones por sus aportaciones al lenguaje fotográfico y aún lo sigue siendo para los más jóvenes.

stephen shore

Shore ha buscado siempre un estilo propio interesándose por las condiciones especiales que presenta la aparición de la cámara fotográfica en el proceso artístico de la transformación de la realidad  en imágenes. En su constante búsqueda de  las modalidades y géneros  de este lenguaje, ha evitado el conformismo academicista y la acomodación  a fórmulas establecidas – es pionero en el empleo del color en la fotografía artística por ejemplo –  y da un paso más cada vez en su obra  dando lugar a proyectos  muy diversos de los que Uncommon Places y American Surfaces, son quizás los más conocidos.

 Es importante señalar  el hecho de que sus planteamientos, tanto visuales como discursivos, proporcionan una nueva perspectiva de un contexto cultural en que las relaciones entre arte y fotografía han sido especialmente intensas y profusas, pop art, land art, art concept e incluso el realismo social de su trabajo Ukraine, están a la vista en otros de los trabajos menos conocidos. Sigue leyendo

regalo de cumpleaños

 

El Museo Picasso de París volvió a abrir sus puertas después de un cierre de cinco años de rehabilitación. El presidente François Hollande desveló, junto a Maya Picasso, hija del artista, la placa que hizo oficial la reapertura de este espacio dedicado al «Picasso, el español, el republicano, el comunista, el orgullo de Francia», señaló Hollande.

El museo, situado en una mansión del siglo XVII en el barrio de Marais, alberga una de las mayores colecciones del mundo de la obra del artista (más de 5.000 pinturas, esculturas y grabados, así como sus archivos personales). Además, la reapertura coincide con el cumpleaños del creador, el 25 de octubre, que pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia, hasta su muerte en 1973.

Al hilo de esta noticia, se me ha ocurrido traer aquí un cuadro de Picasso y otros tres que tienen algunos rasgos comunes: la composición inspirada en el de  Goya y la intencionalidad de la denuncia de la barbarie.

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Masacre en Corea

En 1951, pocos meses después de estallar la Guerra de Corea (enfrentamiento entre Corea del Norte y Corea del Sur entre 1950 y 1953, ambas apoyadas por China y EE.UU respectivamente)  Picasso decidió pintar esta obra de estilo expresionista, renovando su compromiso pacifista y antimilitarista inaugurado con el Guernica. Nos presenta la escena dividida en dos mitades separadas por un pequeño río. A un lado, un grupo de civiles compuesto por mujeres y niños, con sus cuerpos desnudos como símbolo de inocencia. Al otro lado, un grupo de militares estadounidenses, también desnudos, pero armados y apuntando con sus rifles a la masa indefensa. Sus rostros aparecen tapados con una especie de cascos que los deshumaniza, convirtiéndolos en máquinas de guerra. Sigue leyendo

merçi  pour ce moment

merci

Se trata del libro que escribe la periodista Valérie Trierweiler  contra el presidente de la república francesa François Hollande, y digo contra porque a todas luces parece el libro-venganza de una amante despechada, aunque ella lo define como una necesidad de decir la verdad sobre lo ocurrido en su relación sentimental.

Me han regalado este libro de forma inesperada  y para ser consecuente con lo de los regalos, me he puesto a  leerlo enseguida, con el aliciente añadido de recordar el francés que estudiamos durante todo el bachillerato la mayoría de las personas de mi generación; es bastante fácil de comprender, confieso que he tenido que echar mano, pocas veces, de un pequeño diccionario que aún conservo para encontrar algún significado, pero la mayoría del texto se entiende bien.

En un principio parece una comedia de enredo al uso  aunque al ir avanzando aparecen algunos elementos dignos de mención.  El que a hierro mata a hierro muere, es la predisposición con  la que cualquiera  de nosotros nos disponemos a  entrar en esta historia y ella misma, la autora, lo confiesa  aludiendo a Segoléne Royal, la anterior pareja del presidente  y compañera en la política del PSF.

Otro elemento importante es que  no conocemos la versión de la historia que podría aportar el enjuiciado;  como tantas de  estas biografías no autorizadas que devoramos con auténtica morbosidad en todos sus detalles y nos llevan de la mano hacia una sentencia final determinante, faltan elementos de juicio que explicarían en parte, a lo mejor,  algunos de los detalles más escabrosos, o nos sorprenderían si conociéramos algunas de las circunstancias  en que se producen los hechos relatados que podrían atemperar la posible responsabilidad de la otra parte.

Se dice, aunque nadie lo puede demostrar, que en la Presidencia de la República, entre los atributos del cargo, existe un pequeño libro que se entregan los Presidentes en mano cuando se suceden  en el  puesto de mando, como hacen aquí los marinos al relevarse como comandante del buque escuela Juan Sebastián Elcano que se entregan el cuaderno de bitácora que sólo ellos leen y en el que solo ellos escriben. Sigue leyendo

aforados, consejeros, cardenales,….

Asistimos a otro caso,  el de las tarjetas opacas, que dará mucho que hablar; parece sin embargo que no nos ponemos de acuerdo en qué es lo más reprobable de la conducta de los franquiciados, hay dos aspectos que me gustaría destacar: el primero de ellos es que algunos de los consejeros, aunque su número es muy reducido, no hicieron uso de las citadas tarjetas y este es el único aspecto positivo, “si al menos encontráis un justo entre ellos….”; el segundo es la certeza absoluta, digan  lo que digan los implicados, de que el privilegio de la tarjeta no lo consideraban como parte de sus retribuciones (retribuciones en especie) si no como una prebenda oculta, incontrolada y por lo tanto ilícita, y se llega a esta conclusión con la comprobación de los gastos asumidos con ellas en la mayoría de los casos, tiendas de lujo, grandes comilonas, vinos y otras exquisiteces, que no se hubieran adquirido seguramente en tales proporciones  si hubiera que haberlas pagado con el propio peculio, pues no hay como echar mano a la sabiduría popular para darse cuenta de lo propicios que somos a “tirar con pólvora del Rey”, es sabido que en la época en que aparecen las armas de fuego en España, la pólvora la pagaba el Rey de su propio tesoro y de ahí el dicho para referirse a los que gastan sin mesura con el dinero que no es el suyo. Sigue leyendo

el mayor ladrón de España………

                             Para no morir ahorcado el mayor ladrón de España se vistió de colorado

Es un dicho popular que sduque de lerma PPRe refería al duque de Lerma, D. Francisco de Sandoval que pertenecía a una familia de la nobleza española, con más deudas que rentas, en los tiempos de Felipe II;  se educó en la corte siendo merino del príncipe Carlos, hijo de Felipe II, posteriormente ocupa el cargo de gentilhombre de cámara del rey y más tarde el de gentilhombre de la casa del príncipe Felipe con el que hizo una gran amistad.

Cuando el príncipe Felipe subió al trono como Felipe III, quiso tener como amigo, consejero y hombre de toda su confianza a Francisco de Sandoval, quien a partir de entonces fue el verdadero «rey» de España. Se rodeó de un equipo de gente de su entorno y distribuyó los puestos más importantes de la corte entre miembros de su familia y amigos. En 1599, Felipe III le otorga el título de duque de Lerma con Grandeza de España.

Como valido del Rey hizo y deshizo a su antojo y es, a juicio de algunos historiadores, el precursor de las corruptelas urbanísticas pues consiguió que el Rey trasladase la corte del reino a Valladolid en el año 1601 durante un breve período de  5 años, que si bien fue corto en el tiempo le reportó al valido unos rendimientos financieros muy importantes, ya que previamente a dicho traslado y aprovechando la información privilegiada de que disponía sobre el mismo, adquirió terrenos y palacios en Valladolid que posteriormente vendió obteniendo grandes beneficios.

Aunque hay otros historiadores que argumentan que las acusaciones de corrupción que le hacen se basan en envidias e intrigas palaciegas por parte del conde-duque de Olivares y de su propio hijo el duque de Osuna que ambicionaban su puesto de privilegio, el caso es que cae en desgracia él y todo su equipo, su principal colaborador es incluso ajusticiado en la plaza mayor de Madrid, y se desencadena una gran presión en su contra por lo que ante estos acontecimientos, el duque aplica una estratagema que salvará su vida: solicita de Roma el capelo cardenalicio que se le concede en 1618, al mismo tiempo que el rey le da permiso para retirarse a sus propiedades de la ciudad de Lerma. Murió en Valladolid en 1625, retirado de la vida pública. Rubens le hizo un retrato ecuestre que puede contemplarse en el museo del Prado.

No sé si en la actualidad se podría echar mano de esta estratagema por alguno de nuestros políticos a los que se les acusa de corrupción al máximo nivel tras admitir públicamente ellos mismos que tienen su fortuna en el extranjero “aforada” contra la Hacienda Pública.

acercarse a la gran guerra

1914 mapa de europa

Al cumplirse los 100 años del estallido de la Gran Guerra (1914-1918) se han escrito varios libros que traen a colación  todos los detalles de esta historia reciente de la vieja Europa. Destaco entre ellos el de Margaret Macmillan, historiadora canadiense de gran prestigio y actualmente profesora en Oxford (http://www.margaretmacmillan.com/index.html ).

En la obra, hace un relato de las fuerzas políticas, culturales, militares y personales que llevaron a Europa hacia un conflicto catastrófico, que mató a millones de personas, desangró las economías nacionales, derrumbó cuatro imperios y puso fin para siempre a la hegemonía mundial europea. Se plantea la autora si hubiera podido evitarse hasta el último momento y en su caso  ¿por qué no se evitó? Intenta profundizar en las causas de la contienda y nos desvela la compleja red de alianzas, crisis internas, cambios políticos y relaciones diplomáticas entre las grandes potencias y, sobre todo, la personalidad de los protagonistas principales que llevaron a Europa al desastre. Sigue leyendo

el tercer rapto de Europa

 

rapto de europa libro

Hesíodo que es una de las más antiguas fuentes que conservamos, relata que  Zeus, en uno de sus paseos por la tierra vio a Europa recogiendo flores en un prado de Fenicia en compañía de sus sirvientas, enseguida se enamoró de ella y adoptó la forma de un toro para llevársela. La sedujo exhalando una flor de azafrán, la montó sobre su lomo y cruzó el mar con ella hasta llegar a Creta, en donde retomó su forma original y la convirtió en su amante. En su nueva patria, Zeus y Europa tuvieron tres hijos.  Zeus la   cubrió de  magníficos regalos y cuando le llegó el momento de marcharse la desposó con Asterion rey  de Creta.

 

 

  • El dios pagano aparece así en Creta que podía considerarse en aquel entonces el corazón del mundo antiguo.
  • Muchos años más tarde y tras numerosas vicisitudes el dios judeo-cristiano se instala en Roma que durante los siguientes siglos sería el corazón del mundo moderno.
  • Quizás estemos a las puertas de que el dios mahometano conquiste Bruselas y Londres, que en este mundo contemporáneo constituyen el corazón de Europa.

 

Amanece el siglo XX en Montparnasse

Se han cumplido en este año 2014 el centenario del comienzo de la Gran Guerra y  es conocido de todos que el  principio del siglo XX se vivió en Europa con desasosiego debido a las transformaciones sociales y a los aires bélicos que ya empezaban a soplar (la carrera  por aumentar el poderío naval de unos y de otros por mantener las distancias, empieza al poco tiempo de  la subida al trono del kaiser Guillermo II); pero también hubo otros hechos que pusieron al barrio de Montparnasse, en París, en el punto focal de un  movimiento artístico y cultural irrepetible. Sigue leyendo